Sons e versos emitidos pela perereca mediterrânea

Sons e versos emitidos pela perereca mediterrânea

SONS EMITIDOS POR ANIMAIS

O som da perereca mediterrânea

A perereca mediterrânea, nome científico Hyla meridionalis é um anfíbio da famíliaHylidaeTem um canto alto e repetido e é emitido graças a uma bolsa vocal que os machos têm sob o queixo que funciona como caixa de ressonância. É emitido para atrair as fêmeas para o acasalamento e quanto mais machos houver na área. Mais barulhento será o música.


Na antiguidade clássica, a cascavel é um tipo de battacio ou castanholas usado na dança, o grupo religioso da Grécia antiga e em outros lugares, por exemplo: chapin.

Foi erroneamente assumido por alguns escritores que o termo é equivalente a "sistrum". Esses erros foram refutados por Friedrich Adolph Lampe 1683-1729 De cymbalis veterum I, 4, 5, 6. Com base no que está escrito no Suda, e no scholiaste de Aristófanes, as Nuvens, v. 260, parece que a cascavel é formada por uma haste ou junco uniforme, que fazia um ruído quando era sacudida com a mão. De acordo com Eustatius de Thessalonica Al., XI, 160 era feito de latão ou casca de madeira. Clemente de Alexandria atribui a invenção de instrumentos aos sicilianos, e proíbe o uso de cristãos, devido aos movimentos e gestos que acompanharam a exposição.

As mulheres que interpretaram a cascavel foram chamadas de crotalistriae. Um exemplo disso foi o Copa v. 2:

Este verso alude à dança com a cascavel, semelhante às castanholas, para garantir o testemunho de Macróbio.

Como o instrumento produz um ruído semelhante ao do guindaste, o pássaro foi chamado de crotalistria, "o tocador de cascavel".

Pausanias o Periegeta diz, citando o poeta épico Pisandro di Camiro, que Héracles não matou os pássaros do Lago Stymphalus, mas tirou para brincar de cascavel. A julgar por isso, o instrumento deve ser particularmente antigo.

A palavra krotalon é freqüentemente aplicada, como uma simples metáfora, a uma pessoa falante. Um dos nomes espanhóis para "cascavel" é crótalo.

  • Cascavel cobra Cascavel objeto litúrgico Cascavel antigo instrumento musical Cascavel instrumento musical moderno Rattler Rattler personagem
  • A cascavel ou crepitáculo em latim crotalum ou crepitaculum comumente conhecido como tricchetracche, battola, cantarana ou troccole, é um instrumento litúrgico
  • A perereca, ou tric trac, é um instrumento musical idiófono de som indeterminado, feito de madeira, que produz sons curtos e secos por rotação
  • Os crotais na cascavel singular às vezes também chamados de pratos antigos, são instrumentos de percussão idiofônicos com um determinado som, consistindo de pequenos
  • bossa nova. O som é obtido sacudindo ou sacudindo o instrumento e é semelhante ao chocalho do chocalho. Efeitos sonoros particulares são emitidos ao esfregar
  • Instrumento de cordas marroquino de chifres de marfim, um instrumento qanun com 63 cordas também mencionado nas Mil e Uma Noites um instrumento darabouka.
  • da Paixão. A troccola em alguns lugares leva o nome de crotola ou crotalo em alguns casos é substituída por tanavella feita apenas de madeira, onde
  • por Sonos - Instrumentos de música folclórica da Sardenha, Nuoro, Ilisso edizioni, 1998, ISBN 88 - 85098 - 30 - 4. Instrumento musical Raganella Crotalo liturgia
  • música que estuda, de forma a internalizar comportamentos e valores, para adquirir tudo o que é necessário à sua compreensão. Uma ferramenta de
  • entreter o espectador. O instrumento típico egípcio, o sistro, viu uma expansão de seu uso neste período. Ferramentas mais sofisticadas tiveram que esperar
  • mudou-se para Pesaro, onde conheceu o guitarrista Paolo Perdetti, conhecido como Red Crotalo já guitarrista do Revenge com quem decidiu fundar um novo
  • Março de 2016 Moroni 1853: 312 - 313 falando sobre comprimidos ou troccole ou cascavel Corrado Alvaro, People in Aspromonte, Garzanti, 197016 Giovanni Cammareri
  • sinos de madeira 5 blocos de madeira simples e duplos Instrumento musical sapo 3 sapos grandes da igreja 4 copos de água celesta 2 glockenspiel
  • platillos crotali castañuelas palillos e, em alguns de seus estilos, uma mandola para alaúde ou bandurria.
  • reconstrução e estudo da expressão musical milenar, pois na época não existia nenhum tipo de notação musical que permitisse uma reprodução precisa.
  • juncos fazendo o instrumento musical acima mencionado O instrumento típico associado à civilização grega era o Aulos, um instrumento de sopro de junco, sagrado para o culto
  • entreter o espectador. O instrumento típico egípcio, o sistro, viu uma expansão de seu uso neste período. Ferramentas mais sofisticadas tiveram que esperar
  • como ferramentas, objetos incomuns, como o ralador de queijo, a perereca manivela, o batedor, as cascavéis, um tronco de madeira ou ferramentas obsoletas
  • nos anos sessenta ele começou a usar ferramentas elétricas. Outros apreciaram a virada musical do cantor e compositor genovês. Até então, em
  • e com uma nota específica Sinfônico e javanês Gong Crotals, Church Bells, Plate e Tubular Bells e os inúmeros instrumentos e acessórios de qualidade
  • Os instrumentos mais comuns eram a lira ou cítara e os aulos. A lira era um instrumento cujas cordas eram dedilhadas com uma palheta, um instrumento sagrado
  • Querida, ouça como meu blues soa NLM 118 New LM Records Blues www. crotalo com 2006 - Programa de rádio Top Premiere Awards 1 - 4 Viva Music
  • Babe italiana ouve como meu Blues toca para a gravadora Crotalo onde está presente com uma balada com sabor a sessenta. Diga-me Joe Sempre nel
  • na atividade de organizador musical já mencionada, e na didática iniciada em 1990 no colégio Ars nova de estudos musicais em Palermo.
  • dois tambores de caixa, dois tambores militares, tambor basco, bombo, duas cascavéis planas, triângulo. Les Noces teve várias realizações coreográficas
  • chamado na crotalia antiga porque as pérolas em movimento colidiam umas com as outras, tilintando como cascavéis, que eram instrumentos musicais semelhantes a castanholas
  • gêneros musicais tanto como solista quanto com diversos grupos musicais de alguns dos quais foi fundador. Na infância ele estudou acordeão, um instrumento que
  • completo com soluços. Ele é acompanhado por fagotes, que se tornam o instrumento representativo de seu personagem. A atenção muda para dois amantes
  • Polipaide Cirno, em Xenófanes o dístico é um instrumento de ensino, e finalmente em Xenófanes o dístico é um instrumento de pesquisa, de ensino e de crítica
  • entreter o espectador. O instrumento egípcio típico, o sistro, viu uma expansão de seu uso nesta época. Ferramentas mais sofisticadas tiveram que esperar

Compartilhar isso:

Data de publicação:

Fonte do artigo:

Os usuários também pesquisaram:

instrumento musical aulos, instrumento de címbalos, instrumento antigo de cascavel, instrumento grego de cascavel, instrumento de lira, instrumento musical de sistro, instrumentos inventados pelos egípcios, instrumentos musicais egípcios antigos, instrumento, instrumentos, musical, antigo, cascavel, instrumento musical de sistro, instrumento de címbalo, instrumento musical aulos, instrumento de lira, cascavéis, grego, sistro, musical, antigo, egito, címbalos, aulos, lira, inventado, dai, egizi, chocalhos instrumento antigo, chocalhos instrumento grego, instrumento musical cascavel, instrumentos musicais egípcios antigos, instrumentos inventados pelos egípcios, cascavel (instrumento musical),

Instrumentos inventados pelos egípcios.

Orangotango Guitar Chord. Bandas locais não jantam, e as poucas lojas de instrumentos musicais foram pintadas à mão no bumbo como os grandes, para uma grande banda, Crotalo. Instrumento grego Crotals. A definição de cascavel é termos, sonhos, frases. Substantivo de cascavel masculino. antigo instrumento musical da área greco-egípcia semelhante às castanholas. Etimologia: de Lat. Traduzido em 10 idiomas.

Ferramenta de pratos.

Crotalo: você sabe o que é? Paperblog. As melhores ofertas para Crotalo em Instrumentos Musicais no primeiro comparador italiano. Todas as informações que você procura em um único site confiável. Quem procura. Instrumentos musicais do antigo Egito. Por pelo menos três séculos um enigma fascinante: o Piceno lanellone. Em alguns lugares o instrumento, com o nome de cascavel, é tocado, em funções litúrgicas, no lugar do sino, cujo uso está naqueles momentos. Ai AMOR e se fosse pela Cidade de Palermo. A música certamente não é uma descoberta recente e acompanha o homem desde o início. O senso de ritmo e musicalidade é de fato inato. Percussão étnica no mercado musical de Bolonha. Cascavel. sm. 1 Instrumento idiófono A característica das várias espécies de cascavel, todas venenosas, é dada pelo.

Instrumentos musicais 8 i krotala - Cerâmica antiga.

É um instrumento gentil, a cobra. rabo de uma cascavel Na minha primeira vida eu era músico clássico e adorava o antigo. Então, quando Godard muda a frente musical e se volta para o jazz, ele leva consigo. Lanellone com nós Piceno, um objeto cheio de charme e mistério. E de repente com uma cascavel no tímpano que remete à ideia das Ondas Martenot. Uma zelosa homenagem musical ao grande explorador da voz Demetrio Stratos. Orgânico: Contrabaixo da versão 3, um instrumento de teclado também a. Cròtalo Google Trends. Metal. O gongo, o semantro, a cascavel que podemos. Esses instrumentos no início eram habilidades, porque você tem que obter um instrumento musical com requisitos precisos.

Instrumentos musicais na Roma Antiga Homolaicus.

Não é um instrumento musical, mas sim um instrumento litúrgico sagrado do Cròtalo: um instrumento de percussão formado por duas válvulas de madeira ou de. Joe Caruso Blues Band Blues. Dos animais à emissão de sons e instrumentos musicais criados pelo homem. jogo: imitamos os sons do elefante, leão, vaca, burro, cascavel, bluebottle. CROTALI E TROCCULI Cristina Guarino Facebook. Instrumentos musicais 8 a krotala. 27 de agosto de 2016, 5 de março de 2020. krotala im.jpg Dionísio com tirso e kantharos, dançando Sátiro com krotala. Oionokles Painter. Etimologia: Caciocavallo Agorà Writers Dream Community. Instrumento de percussão de madeira, utilizado na antiga igreja de San Matteo ap. em Montenero di Bisaccia. Antigo instrumento musical de cascavel.

Versos diferentes. Um caminho didático experimental através do Anisn.

Os cròtali, às vezes também chamados de pratos antigos, são instrumentos de percussão idiofônicos com um som determinado, compostos por pequenos discos de metal. Cada um deles mede 6 a 12 cm de diâmetro, com uma superfície plana na parte superior e uma base que permite oscilar e vibrar livremente. Crotalo Historical Photos Snapshots of Life. Espanhol por excelência, Federico García Lorca, para quem vários músicos II. The Guitarra! III. Puñal! 4. Procesión. V. Memento. VOCÊS. Baile. VII. Crótalo! Tocando! A! Guitarra! E! Archlute ,! A! Musical! Instrument! That! Dates! To!.

Breve história dos aerofones de bolsa Circolo della Zampogna.

Ele estava brincando ... Na verdade, essa palavra estranha tem uma história muito respeitável. O zerre ou tric trac ou cro é um instrumento musical. C Living Archaeology. Male Noun Music, antigo instrumento musical semelhante às castanholas, em uso específico na Grécia e no Egito. Substantivo masculino Cobra venenosa. Crotalo Liturgy Negapedia. Da Magna Graecia, um período particularmente feliz pela invenção de canções diferentes, como a bucólica, e de alguns instrumentos musicais, como a cascavel. Crotalo Ed. Musicali Paul Cadeia Heavy Metal Rock Pop Dance. Cascavel: m i 1. m a e zool. Definição e significado do termo cascavel. 2. instrumento musical idiófono semelhante a castanholas, usado no mundo antigo. Unreleased Vol 1. Aqui estão os instrumentos musicais usados ​​por esta muito antiga civilização egípcia, a música era um aspecto muito importante da vida.

A troccola di Puglia na Sexta-feira Santa CanosaWeb.

Lesorcismo musical inerente do envenenado pela picada da tarântula no famoso tratado Sertum da cobra venenosa, a cascavel e a víbora. Também é considerado um instrumento de uma divindade que controlaria suas forças. As cobras. 08 Melini 20091218 GC ER.rtf. Objetos sonoros e instrumentos musicais na Sicília do Neolítico ao início da Idade do Bronze e da Idade de Castagnette 4 Crotalo com tabuletas 6 Tabela 4. Sapo de árvore 10.

Música no antigo Egito Instrumentos musicais.

Ilustração de cascavel. Gravura em papel. Gabinete Harmônico Repleto de instrumentos sonoros indicados e explicados por seu pai Filippo Bonanni, Stamperia di. Décimo segundo episódio da segunda-feira, 17 de fevereiro de 2020 Comentários sobre. Crotalo é sinônimo de cascavel, mas também como instrumento musical deste instrumento puramente quaresmal assume diferentes nomes de acordo com o. Como falhar Veja a lista completa. Em latim a cascavel é um instrumento musical, não sei se bem feito, e, da mesma forma, cascavel em espanhol significa chocalho, ou castanholas.

Guia dos instrumentos musicais mais antigos Não só da cultura.

Na antiguidade clássica, a cascavel era um tipo de battacio ou castanhola usado nas danças de grupos religiosos na Grécia antiga e em outros lugares, por exemplo, pelos coribantes. Foi erroneamente assumido por alguns escritores que o termo era. História e filosofia da zerre - Intrecci Design. Normalmente chamado de cascavel. antigo instrumento musical chamado cobra rattell, recebe o nome científico de cròtalo. Trabalhos Stefano Guarnieri. Cascavel: mus. Antigo instrumento musical semelhante a castanholas, em uso spec. na Grécia e no Egito. Definição e significado do termo cascavel.

Instrumentos musicais CRICD.

Crotalo, CROTALI: Instrumentos de percussão em madeira ou marfim. Muitos espécimes restantes são esculpidos em forma de mãos e decorados com cabeças humanas ou de animais. sistro. Crotalo: Definição e Significado do Dicionário Italiano Crotalo. Roberto Melini - Charles Burney e a arqueologia musical do antigo Vesúvio. 85 da visita à sala onde foram expostos os instrumentos musicais. metade da cascavel contra a outra metade segurando o jovem Figura 22.60. Todos os sons do mundo Pi. É o instrumento musical que deu nome à cobra, e não o contrário, como muitos acreditam. Crotalo, etimologicamente, realmente significa castanholas e era. As origens do vinho e da música - Marco Solforetti. Sua criatividade por meio de ferramentas virtuais. Seus gêneros musicais favoritos são Rock, Jazz, Fusion e seus artistas favoritos absolutos são Queen, Pantera,. Livro Para evitar adoecer com sistrite, basta sorrir! N. Apenas 2 exemplos deste instrumento foram encontrados, os quais foram mantidos na tumba de Tutancâmon. Instrumentos musicais crotalo:.

O que os egípcios jogaram Lettera43 Como fazer.

Instrumento musical de percussão idiófona, as castanholas são conhecidas desde os tempos antigos com o nome de cascavel, diferentes são os materiais utilizados no decurso. Você pesquisou Instituto de Arquivo musical teatral iconográfico para. Uma cascavel, um instrumento musical antigo, como o do vaso do ático, foto 4, mas nunca foi encontrado um badalo. Giovanni Rocchi argumenta que sim. Instrumento musical Crotals. Sobre este tema, Curt Sachs History of Musical Instruments, Milan 1985, pp. crispum sub crotalo docta movere latus, ebria formosa saltat taverna lasciva,.

Letra C Studiomusica.

Crótalo ou Tingsha Dragón 6 cm. Novo. EUR 29,00 EUR Brinquedo educativo para instrumentos musicais tradicionais chineses. Novo. EUR 10,82. Música na época dos etruscos La Teca Didattica. Cròtalo s. m. - 1. Instrumento de percussão utilizado nas antigas civilizações orientais, constituído por alguns. Crotalo: você sabe o que é? Musicamore. Vinho e música As origens devem ser atribuídas aos egípcios. Era um instrumento de sopro de junco, sagrado ao culto a Dionísio, deus do Além de todos os aulos em que a lira era tocada, ou frequentemente a lira, mais raramente a cascavel e pequenos tambores. Troccola: o popular instrumento musical da Semana Santa. Foi tocado com uma picareta. Crotals. Semelhante às castanhas, diferiam desta última devido ao seu formato estranho e tamanho maior. Cròtalo no vocabulário Treccani. Em 2003, para a continuamente atenta e prolífica LM Records, agora Crotalo. Savanas e seu próprio Didgeridoo, um antigo instrumento musical australiano a.

Pino - jogo de tabuleiro lógico baseado em tática e estratégia. Em geral, este é um remix de xadrez, damas e corners. O jogo desenvolve a imaginação, a concentração, ensina como resolver tarefas, planejar suas próprias ações e, claro, pensar com lógica. Não importa quantas peças você tenha, o principal é como elas estão posicionadas!


Som onomatopaico Fii fii

Mais de 1.022.000 hotéis online A FUNÇÃO DOS SONS ONOMATOPÉICOS NA CRIANÇA MORENO MANGHI As crianças pequenas usam palavras, combinam-nas, brincam com elas, até descobrirem um sentido estranho às suas expectativas. Paul K. Feyerabend, Contra o método. O fonoaudiólogo tira um carrinho da embalagem e o coloca no ONOMATOPEE. Onomatopeias (também chamadas de fonossímbolos) são palavras invariáveis ​​ou grupos de palavras que reproduzem ou evocam um determinado som, como o choro de um animal ou o ruído produzido por um objeto ou uma ação. Entre as onomatopeias mais comuns relacionadas com animais, existem aquelas , muito comum na língua de e para crianças. bau, miao, grrr, chicchirich Faça o som dos índios Dire Sh! para ir dormir Rosnando como um cachorro Você pode usar um copo para vocalizar por dentro como AHHHH. ou você pode usar um rolo de papel higiênico ou um funil. Faça outros sons semelhantes a buzinas, como beep beep e vroom, e as crianças adoram sons onomatopaicos

A onomatopeia é uma figura retórica que reproduz, por meio dos sons linguísticos de uma determinada língua, um ruído ou um som por meio de um procedimento icônico típico do fonossimbolismo.Eles são freqüentemente usados ​​em séries repetidas como: bau bau, plin plin, crac crac ou em uma única sílaba: patapum. Onomatopeias também podem ser usadas como substantivos onomatopeias. Palavras como você soa. O termo onomatopéia, do grego onomatopoiìa ("fazer, construir uma palavra"), é aplicado àquele conjunto de expressões linguísticas que imitam quase perfeitamente aquilo a que se referem: ruídos de animais, ruídos da natureza, humores, sentimentos e sensações do homem. Entre exclamações e risos. Na economia das várias línguas, o. Oferecemos às crianças seis percussões, cada uma com um timbre diferente: um tambor de moldura sem chocalhos, um triângulo, um prato suspenso, um maracá, um bloco de som, um guiro. Tocamos um som de cada vez e pedimos às crianças que tentem reproduzir esse som com a voz. A qual, dentre esses instrumentos, podemos atribuir?

SONS ONOMATOPÉICOS E A LINGUAGEM DOS HQs Anf: som onomatopaico que indica sensação de falta de ar (por exemplo, a respiração ofegante de quem acaba de parar de correr). Argh: som onomatopaico que indica sentir muita dor ou ficar horrorizado com alguma coisa (também usado com mais de um r). Auch: exclamação indicando que alguém acabou de se machucar Onomatopoeia é uma figura de linguagem através da qual criamos palavras que imitam sons naturais. A língua italiana é muito rica em palavras semelhantes, basta pensar no léxico ligado aos sons dos animais. Onomatopeia é uma grande fonte de entretenimento para escritores e poetas: vemos onomatopeia em ação em alguns versos de Pascoli, Aristófanes, Aleksandr Blok e Maurizio Bettin Os poemas onomatopeicos vêm em muitas formas e sons de animais são escolhas populares para este dispositivo poético, especialmente quando o público-alvo é jovem. Assim como os contos de fadas de animais são intrigantes para as crianças, os sons que os animais fazem são elementos divertidos de que eles gostam. Derivado do som de uma respiração ou respiração ofegante também é usado quando um personagem respira enquanto come

O que é onomatopeia. Onomatopeia refere-se a uma palavra que imita foneticamente, se assemelha ou sugere a origem do som que descreve. Onomatopéia vem do grego onomatopoiia que significa "criar palavras". É uma palavra que imita o som de uma coisa. Cria um efeito sonoro que imita o som natural produzido pelo objeto descrito A onomatopeia. Viola gostaria de saber se se pode dizer som onomatopaico C. Tresca pede esclarecimentos sobre os verbos onomatopaicos. A onomatopeia. O termo onomatopeia é um substantivo feminino pertencente à linguagem técnico-científica da lingüística. Deriva do latim tardio onomatopoeia (m), por sua vez do grego onomatopoiìa, composto de onomato-, de onoma 'nome' e del. os sons e versos emitidos pelos pássaros O canto dos pássaros sempre foi objeto de interesse de poetas, escritores e músicos. Na realidade, é uma linguagem real que não é articulada, mas responde a situações que ocorrem na vida, como estados de perigo, desconforto, agressão, pedido de comida, namoro, etc. Eles normalmente derivariam destes, ou indiretamente através de um onomatopaico processo, algumas onomatopeias. secundárias, ou artificiais, que são palavras com um significado particular, como é o caso de termos que indicam a manifestação de um som: miau, latido, zumbido, farfalhar, tique-taque, alvoroço, estrondo, etc.

Frete grátis disponível · Grandes seleções e economias · Oferta diária

  • Pequena premissa antes de abordar o tópico da onomatopeia Disney, você pode pular se você não gosta de instalações. Pessoalmente, eles são. Desde que abrimos este site, todos os meus esforços estiveram envolvidos na sua gestão (recém-nascido e necessitado de cuidados, coitadinho) e na correção dos artigos dos nossos extraordinários colaboradores
  • Explicação e exemplos Onomatopeia tem campos de aplicação e métodos de uso muito diferentes, que vão desde a imitação mais fiel possível de sons reais com a combinação de vogais e consoantes (pense em bang, bau, miau, din don dan, tic, plop, haha , etciù, e seu uso muito frequente em quadrinhos) ao uso de verbos que reproduzem a sensação que no som.
  • Local: Marradi (FI) Discurso de valerio_vanni »Ter, 18 Nov 2014 11:16. Na minha opinião, porém, o enraizamento é quando remexemos no chão olhando de Na mesa parece-me que muitos versos derivados da difusão dos quadrinhos foram incluídos, onde os sons onomatopaicos, sendo bem inteligíveis, raramente foram traduzidos mesmo em .
  • Como pode ser visto nesses exemplos, as palavras onomatopaicas podem refletir uma variedade de sons, incluindo sons produzidos pela natureza, humanos e animais. Leia as frases abaixo e tente identificar as palavras onomatopaicas nelas. Ele correu para fora na chuva torrencial. O carro bateu na parede com um grande estrondo
  • Quando ruídos, sons, versos são imitados em uma língua, traduzindo-os em palavras que possuem os fonemas e a grafia da própria língua, temos uma onomatopeia. É, portanto, um processo que muda de linguagem para linguagem e que, mesmo que os elementos fônicos sugiram o significado da palavra, sua gênese permanece arbitrária, fruto de decisões inescrutáveis ​​e do acaso.
  • Respostas para a definição * Som onomatopaico indicando tristeza * para palavras cruzadas e outros jogos de quebra-cabeça como CodyCross. Respostas para palavras cruzadas começando com as letras S, SO

Os sons dos animais não são sons genéricos, mas têm nomes muito precisos dependendo da espécie. Listamos nesta lista. É um momento para brincar e se divertir com a voz e os sons onomatopaicos. 2º ENCONTRO: é retomado o livro L'ucccellino fa, que é composto por 56 imagens, as quatro crianças são convidadas a escolher 20 que devem depois reproduzir graficamente através da utilização de material convencional mas sobretudo com material reciclado - sons onomatopaicos. 8 de 8 mensagens. sons onomatopaicos: Buongiorgio: 24/01/00 12:00 AM> Todas as línguas do mundo têm seus sons onomatopaicos> diferentes. As pessoas tentam pronunciar os sons reais com os sons> que ocorrem naturalmente na sua própria língua. Para concluir a experiência, as crianças constroem o bastão de chuva para levar para casa usando tubos de papelão de vários tamanhos com palitos inseridos. E as cascas picadas inseridas no cavidade do tubo, com o movimento, produzem uma cascata de sons delicados que lembram o som da água fluindo Ronfi: quebra-cabeças darwinianos e sons onomatopéicos SBAM! Este é o som que pensamos que o caderno de Charles Darwin deve ter feito quando caiu de suas mãos, no dia em que ele tropeçou naquela espécie animal incompreensível.. Roedores, e até agora tudo bem

Ótimos preços no Sono - Sério, temos filho

Efeitos sonoros de ficção científica (ficção científica) (99) Multidão (9 Descrição: som de copo quebrando ou quebrando. Adequado para jogos, teatro, filmes, apresentações e muito mais. Outros sons onomatopaicos são adicionados, como voz de órgão e movimento das ondas, todas reproduzidas com sons mágicos de grande efeito, o som do órgão, portanto, aumenta de intensidade até que a Catedral emerge do mar e então desaparece lentamente quando a ilha de Ys ​​volta a ser submersa.

Hotel Tata Si Fii, Bechet - preço atualizado de 2021

  1. Um recurso notável, no qual habitar. A natureza onomatopaica desta palavra é particularmente acentuada e evoca um eco forte, escuro e prolongado com a repetição do som profundo 'mb' - reafirmado por um 're' iterativo. Além disso, é uma sugestão onomatopaica muito antiga, cuja raiz é encontrada na mesma moeda do latim.
  2. Procurando por ótimas ofertas no Sono? De tudo para a própria coisa. Tudo no eBay. Mais de 80% novo e compre agora Este é o novo eBay. Compre os melhores produtos agora
  3. Descubra a ferramenta Quadrinhos e sons onomatopaicos para Quadrinhos e sons onomatopaicos em Giuntiscuola.it, a referência para o mundo escolar
  4. Texto Poético - Figuras retóricas do som Análise e nota escrita que faz uma breve descrição das principais figuras retóricas do som
  5. O cachorro enlouquece. Este é certamente um dos versos mais conhecidos e amados pelas crianças. Porém, dependendo do que desejam expressar, esses animais não latem, mas gemem quando o fazem.
  6. Ao colocar seus próprios ladrilhos, eles podem imitar o som do animal ou do objeto representado, ou imitar uma ação que os afeta. Associar ilustrações a sons onomatopaicos é uma maneira ideal de se divertir com sua voz

Música, som, ruído, voz, em alguns cânones (anti) do século XX Apostilas Manganelli - Savinio - Futurismo - Montale - Barilli - Gadda - Vigolo - Arbasino - Calvino - Sanguineti - Balestrini - Rosselli. Perspectivas sonoras na literatura italiana '900: entre assimilação, emulação e conflito (com respeito à experiência musical) Ficção científica (Ficção científica) Efeitos sonoros (99) Multidão (9 Descrição: Som de um homem tossindo com uma tosse forte. Ideal para projetos que requerem este tipo de efeito de áudio

. Quando o latinorum foi interpretado no estilo de Renzo Tramaglino, de fato, repulisti evocou a imagem da vassoura que limpa tudo Página 5-Sons onomatopaicos La Piazzetta (fórum fechado), se procuro o mar de Xangai e Hong Kong, ou se uma vez eu.

ONOMATOPEE na gramática italiana

  • Resumindo, um som onomatopaico que se popularizou em pouco tempo. Alguns exemplos: vinte e quatro horas após a corrida, ainda está em quinto lugar entre os tópicos de tendência italianos
  • Use muitas palavras e sons onomatopaicos. O que ele não pode dizer em palavras ele faz (exemplo: quando ainda não conseguia dizer nem geleia nem comida aos 24 anos a válvula de segurança do gás se abriu, ele colocou a panela no fogão e subiu com a cadeira para pegar um suíço na geladeira)
  • DIDGERIDOO, O SOM DO TEMPO DOS SONHOS. Stefano Fusi Ao pé do arco-íris, diz a lenda, está o pote de ouro. O arco-íris é um símbolo de paz e reconciliação, do espírito que aparece na terra na forma de cores e vibrações verdadeiras e reais ainda que 'ilusórias', uma metáfora perfeita da nossa vida que é ao mesmo tempo concreta e feita de sonhos
  • À noite, deitada em sua cama, ela releu a carta de seu artilheiro na frente (Le Soir, Couchée dans son lit, elle relisait la lettre de son artilleur au front), publicada em Les Mots en liberté futuristes MET DP371749.jpg 2.690 × 3.877 3,07 M
  • Vamos falar de Bronte - Arqueologia lexical 3 Bronte Insieme Onlus Association www.bronteinsieme.it Há muito que pensava em recolher e explicar as palavras mais antigas da língua Bronte1 e para isso pretendia traçar a tese do meu querido amigo Gregorio Sofia que se interessou
  • accia, ecoa a iminência sobre toda a humanidade de um im
  • formas explosivas e explodidas: ainda assim, tudo pode ser repensado em uma estrutura coerente e satisfatória. Um jogo experimental de altura total, que captura e acompanha o ouvinte em galáxias inexploradas

Texto e comentário sobre o poema Muitas vezes encontrei o mal de viver de Eugenio Montale, da coleção Ossi di seppia. Editado por Marco Nicastr já falei sobre as narrativas escondidas em uma imagem, daí a passagem da figura para a história. Hoje, porém, quero entrar em outra viagem fascinante, aquela que diz respeito ao potencial visual dos textos escritos. As letras, os grafemas, aliás, além de terem um sentido e um som vinculados às convenções linguísticas, também são signos traçados na folha (e é de. Um pequeno reeducado e implantado precocemente (Grupo A / A1) porém, depois de um curto espaço de tempo dos eletrodos, ao descobrir o mundo dos sons e das palavras, adquire espontaneamente termos simples, expressões de uso comum como: Espera, arruma, me passa, cadê?, tá aí, tá fora, dê-me água etc.

Sons onomatopaicos são fundamentais - ensina-me a falar

  • e ou uma maldição ZOT para você! (risque aquela mina chegando) piroGallo. piroGall
  • . Dicas de visualização de filmes para todos
  • A palavra mágica, do som onomatopaico do soco da máquina, transformada na minha mente em mantra, arrastou-me para além da contingência temporal e, por agora deixando em segundo plano a insegurança da compreensão, já transportava os meus pensamentos para o espaço do fábrica onde reina suprema e indiscutível: a arte de fabricar
  • Som das ondas. Com o som do mar ao fundo você pode fazer massagens, meditações e até dormir. Aqueles sons do mar, o murmúrio das ondas e o grito das gaivotas, que nos propomos ouvir online, foram gravados de um mar real com dois microfones, um colocado na costa e outro colocado numa pequena enseada Traduções no contexto do ruído das ondas em italiano.
  • Som onomatopaico que descreve o que é comumente chamado de diarreia. Ao dizer essa palavra, na verdade, é fácil entender a que tipo de merda estamos nos referindo: um líquido que sai como a lava de um vulcão (geralmente até com a mesma temperatura), um fenômeno explosivo com curtos períodos de pausa entre uma erupção e o outro
  • Ouviu-se o som de uma fogueira gigante acesa por todos os Tempos, por todos os anos e por todos os calendários amarelados, por todas as horas empilhadas numa pira alta e incendiadas. Um toque da mão, e aquele fogo teria girado lindamente, instantaneamente
  • Ele vai tentar a prisão. Definitivamente concordo. mas você tem certeza de que quem está chegando também não é campeão do 5G? a menos que seja tão tecnologicamente avançado que substitua o maligno 5G por uma transmissão de dados mais humana, como Li-Fi

O passarinho sim. é um livro de Soledad Bravi publicado pela Babalibri: compre no IBS por 13,78 € O Tataratà, nome onomatopaico derivado do som [. ] ritmo do tambor que comanda a dança das espadas, surge no contexto da festa da Santa Cruz que celebra, todos os 4 domingos de maio, há mais de três séculos, a descoberta de uma cruz de madeira que data de 70 dC . O clicker é uma ferramenta simples usada, não apenas para o treinamento de cães, mas também para a maioria dos animais de estimação. Geralmente é uma caixa de plástico que contém uma folha de alumínio que estala (som onomatopaico do qual leva seu nome) quando amassada. Os clickers podem ter formatos diferentes além do retangular clássico e podem. Sound, Stereo, Hi-Fi, a revista de áudio mais confiável, alta fidelidade A troca de gerações acontece em Taylor Made: a passagem da batuta da mais onomatopaica e estimulante vocalidade jazzística do pai McFerrin para o filho McFerrin, ou de Bobby para Taylor . - Florença (FI

. falta simplicidade * para palavras cruzadas e outros jogos de quebra-cabeça como CodyCross. Respostas para palavras cruzadas começando com as letras S, SO Respostas para definição * É um sistema muito avançado e complexo * para palavras cruzadas e outros jogos de quebra-cabeça como CodyCross. As respostas para as palavras cruzadas que começam com as letras S, SO Fuckup Nights Firenze retoma seu formato usual na quinta-feira, 4 de abril, com três novas histórias de projetos fracassados ​​contados por três palestrantes excepcionais. Vamos comemorar o fracasso de Francesco Pallanti, Pietro Fruzzetti e Andrea Civita que veremos novamente em maio como os protagonistas da segunda edição do FMX (Florence Marketing Experience). ) Compromisso quinta-feira, 4 de abril, das 19h30 às. Boa noite, estou com o seguinte problema: a 1000/1200 rpm o carro produz um ruído de arrasto cíclico irritante (wuwuwuwu). Este ruído com o capô aberto não é ouvido, mas segurando os canos do a.c. esse arrasto é percebido.O gosto da musicalidade nos sons onomatopaicos reproduzidos por cada instrumento capta a atenção da criança, supera as dificuldades de compreensão e brinca com as sugestões emocionais do ouvinte. 2º Módulo - Operadora de Música: Dra. Sabrina Landi Malavolti, Dra. Roberta Landi Malavolti, M ° Andrea Sardi Duração: 2 horas

Figuras retóricas do som: a onomatopeia um Elpi

  1. Ainda sobre um texto de Topelius, desta vez com música de Karl Collan, Sylvian Joululaulu fala sobre uma ave migratória, o blackcap. A peça descreve tanto o sul (mais precisamente a Sicília), onde o blackcap passa o inverno e o self falante cheira a ciprestes e vinhas, quanto um sótão onde um blackcap em uma gaiola canta suas doces melodias sem que ninguém tenha a chance.
  2. O caçador está voando pela porta do mar, a hipérbole no verso 6 7 em que a ordem se inverte, a paronomasia que reproduz um som igual e exerce uma função onomatopaica
  3. O mundo da publicação para crianças e adolescentes, online. Esta página coleta os artigos anteriores a 2020. Para ver o índice recente, acesse a página Entrevistas do autor. Muitos são os autores entrevistados pela LiBeR, cujas entrevistas - às vezes reduzidas na revista por questões de espaço - podem ser consultadas aqui na íntegra e, para estrangeiros, também em línguas estrangeiras.

Onomatopeia na enciclopédia dos meninos

  1. - Quaisquer sons e legendas onomatopaicos - O plano de fundo que especifica a configuração. Pode ser útil usar uma grade, a fim de facilitar as operações e dar uma pista aos grupos para o próximo trabalho. Transfira a grade em formato Word para o seu PC. Fazemos quadrinhos com Power Poin
  2. Relais Tenuta San Domenico: baptism - veja 390 comentários imparciais, 318 fotos de viajantes e excelentes promoções para Relais Tenuta San Domenico no TripAdvisor
  3. * Lucio e os primeiros sons: jogos de imitação verbal para os mais pequenos / Ilustrações de Marta Galewska-Kustra de Joanna Kłos. - Trento: Erickson, © 2020. - 1 volume (sem paginação): cartolina, il. 24 cm. ((Título e dados de capa.- Tradução de Barbara Delfino - Bibliotu, portal das Bibliotecas de Roma, pesquisa de livros em cd dvd de Roma, leitura de serviços de consultoria de empréstimos.
  4. O arranjo original da peça é de Ugo Trevale para o Grupo Transumante e foi criado para combinar diferentes sonoridades, por um lado as clássicas estrofes corais iniciais, por outro os sons que remetem a antigas sonoridades onomatopaicas presentes em todas as tradições musicais. do sul. itálico
  5. Muitas frases de exemplo traduzidas contendo onomatopéia - dicionário inglês-italiano e mecanismo de busca para traduções em inglês

O jogo das onomatopeias Giunti Scuol

  1. Desde que este blog existe, é a primeira vez que, graças às redes wi-fi, posso escrever com uma vista espetacular do Oceano Índico. Minha localização privilegiada é uma pesada espreguiçadeira de madeira na linda praia de Flic en Flac (seu nome deve-se ao som onomatopaico de quando você pisa na areia coral com seus chinelos.
  2. Mais de 80% novo e compre agora Este é o novo eBay. Compre os melhores produtos agora. Mas você checou o eBay? Verifique se estou no eBay
  3. O sistema Hi fi tem uma relação sinal / ruído satisfatória, permite ouvir claramente os sons individuais, o campo é o ambiente com + hi fi, o mesmo para a noite em relação ao dia, x tempos antigos em comparação com os tempos modernos. Em uma paisagem sonora de alta fidelidade, os sons se sobrepõem com menos frequência, há um plano e há um fundo
  4. Descubra a ferramenta Sons e sinais ao redor para Sons e sinais ao redor em Giuntiscuola.it, o ponto de referência para o mundo escolar
  5. A beleza dos sons não entendo o que poderia ser, talvez haja uma adequação dos sons onomatopeicos HONOR Router 3 Review: a melhor qualidade / preço Roteador Wi-Fi 6

Escreva os sons. L'onomatopoeia - Zanichelli Aula di letter

  1. sons onomatopaicos. Jaa Jaa tekijä Apinto 10. Infância. Tykk ää. Muokkaa sisältöä.
  2. MÚSICA NO FILME O filme é uma obra de arte em que convergem todas as linguagens fundamentais: a imagem em movimento, a palavra, a música. No início, porém, o cinema silenciava. Os espectadores liam as palavras dos diálogos escritos na tela. entre os disparos, mas o silêncio não reinava na sala: em primeiro lugar eram os espectadores [
  3. Trout Mask Replica é o terceiro álbum do grupo musical americano Captain Beefheart & His Magic Band, lançado em 1969, pela Straight Records, a gravadora do amigo de infância de Beefheart e colega Frank Zappa, que também produziu o disco. O álbum mistura elementos de Música americana, do blues ao free jazz, de uma forma não convencional, vindo, para.
  4. O TEXTO POÉTICO. Poesia é um texto que pode falar sobre vários assuntos, mas sempre expressa emoções, sentimentos e pensamentos do poeta que o compôs. O poema é composto de versos, ou seja, de versos curtos, ao final dos quais é interrompido
  5. * Som onomatopaico de viagem de volta no tempo: DWIDWIDWIDWI-ZIN! * Ano 200.000 AC, Brunght, da tribo Gurgh está massacrando um cervo em paz. Ele quebrou o crânio com seu machado de pedra e agora o está descascando
  6. NGN Setembro QUARTA CLASSE - Edições Educacionais Gulliver. 4 a. 116. Italiano. Eu não comeria, eu morreria. Eu não entendo o porquê. ela está maravilhada que eu como

Poemas onomatopaicos para crianças - Vida Feminina - 202

Katakana (カ タ カ ナ ou 片 仮 名) é outro dos três sistemas de escrita da língua japonesa. Assim como o hiragana, o katakana é um silabário, ou seja, é a transcrição dos sons silábicos e dos cinco sons vocálicos da língua japonesa. Para que serve? Principalmente para transcrever em japonês os nomes que vêm do exterior (nomes próprios de pessoas Home Tags Sons de animais Sons onomatopaicos. Tag: sons de animais Sons onomatopéias. Didática. Sons de animais. 0. Como melhorar o sinal de Wi-Fi. 17 de janeiro de 2018 . Carregue mais. NOTÍCIAS QUENTES. Didática. Como traduzir um texto. Bebidas. Como fazer um coquetel de melão. Faça você mesmo. Como construir uma estufa caseira 370 Parte dois Quadro jurídico: o sistema educacional na Itália e o comum Política europeia www.edises.it> sobre habilidades motoras associadas a atividades não estruturadas e atividades estruturadas durante jogos de rotina ao ar livre> sobre o conhecimento do padrão corporal> sobre cuidar do próprio corpo (regras de higiene). Coincidir com as habilidades expostas Wi-fi .A palavra Wi-Fi é considerada sinônimo de fidelidade wireless, assim como, no campo do áudio, Hi-Fi é sinônimo de alta fidelidade. Porém, segundo Alex Hill Sim, não é esse o caso entre os criadores das primeiras redes Wi-Fi. A palavra foi cunhada apenas por razões de marketing. As especificações técnicas utilizadas pelas redes sem fio recém-criadas (descritas por um padrão que tem. Viale B. Angelico, 22 - 50039 VICCHIO (FI) Tel. 055.844254 - Fax 055.8448641 e-mail: fiic81500e @ Formazione.it - ​​pec: postmaster @ pec .icvicchio.fi.it - ​​site: www.icvicchio.edu.it CURRÍCULO ESCOLA DE INFÂNCIA 3 E 4 ANOS

Se a liberdade fosse uma emoção, um som onomatopaico, um sopro de brisa que bate por trás e de repente tudo muda. Uma 'história italiana dos anos 2000', sem referência a acontecimentos reais, com traços de Alessandra Novaga, musicista e expoente da nova cena criativa milanesa, revisitará, através de uma série de performances ao vivo, o integral de The Book of Heads de John Zorn. Como aconteceu o precioso encontro com o violão e a subsequente virada criativa? Como acontece com muitos músicos, eu abordei o instrumento sem nenhum motivo em particular, eu tinha dez anos e a. Ficção científica e fantasia. Jason Isaacs em Point Of No Return: Cenas Deletadas Eram Ilegais e Imorais Eu descrevo o personagem principal revela o que teríamos visto nas lendárias sequências ultraviolentas e sangrentas do horror de fantasia de 1997, incluindo detalhes da morte de seu personagem. Leia mais * Boom shakalaka vem do jogo de basquete, mas é usado como um som onomatopaico para descrever uma garota sacudindo a bunda ou fazendo tiques. ** '12 Play 'é o título do álbum de estreia de R. Kelly, com músicas temáticas de sexo

Onomatopéia em quadrinhos - Wikipeds

- Aliteração: quando duas palavras começam ou contêm as mesmas sílabas, para reforçar um som forte ou suave. Ex: trinta e três pessoas de Trentino entraram em Trento. - Anáfora: repetição de uma ou mais palavras no início de uma ou mais frases, versos, pontos finais. Ex: Para mim você vai para a cidade dolorida / Para mim você vai para a dor eterna / Para mim você vai entre os perdidos (Inferno de Dante Alighieri Astarte Suites - iPome Hotels. Um hotel boutique com 15 suítes de luxo, de excepcional beleza, junto com serviços de primeira classe, mima seus hóspedes em um cenário suntuoso, na cênica ponta de Akrotiri. O design de interiores é inspirado na cultura mediterrânea antiga, tornando-o um verdadeiro retiro para desfrutar de um. WA! Japan Film Festival é o único evento em Itália inteiramente dedicada ao cinema japonês. Já na sua 4ª edição, a antiga Revista do Cinema Japonês de Florença apresenta um formato. Certamente muitos de vocês se lembrarão de um dos 100 contos contidos no Decameron, escrito no século XIV por Giovanni Boccaccio, que tem como protagonista um guindaste pobre. O enredo é muito bonito: o chef veneziano Chichibio foi contratado por seu mestre florentino para cozinhar um guindaste. Pena que uma vez servido na mesa é evidente que e uma coxa está faltando

O que é onomatopeia - Diferença entre - 202

Um fã está particularmente desesperado porque na Sérvia não há Vodafone como em casa, mas nós o encorajamos dizendo que há wi-fi gratuito em todo o centro da cidade. Na hora dos pedidos, o mesmo torcedor heróico sempre pede uma água friz..shpi shpi [som onomatopeico de água com gás] .. bollicin..bollicin O uso de mímica, sons onomatopeicos, imagens de jogos tridimensionais e jogáveis, de a participação das crianças através do toque e do movimento são as ferramentas deste espetáculo especial criado para o público mais jovem. As representações são Para consultar a tese é necessário estar registado e adquirir a consulta completa do processo, ao custo de € 29,89. O pagamento pode ser feito por cartão de crédito / cartão pré-pago, PayPal, transferência bancária. O show Kin Keen King encenado no Palladium em Roma em 24/04/201


Índice

  • 1 recursos
    • 1.1 Identidade social
    • 1.2 Política
  • 2 música clássica
    • 2.1 Opera
    • 2.2 Música sacra
    • 2.3 Música instrumental
    • 2.4 Ballet
    • 2.5 Música experimental
    • 2.6 Música clássica na sociedade
  • 3 música tradicional italiana
    • 3.1 Regiões
    • 3.2 Canções
    • 3.3 Ferramentas
    • 3.4 Dança
  • 4 música popular
    • 4.1 Primeiras canções populares
    • 4.2 Pop moderno
    • 4.3 Dança Moderna
    • 4.4 Estilos importados
  • 5 Indústria
  • 6 clubes, festivais e feriados
  • 7 Educação
  • 8 estudos
  • 9 notas
  • 10 Bibliografia
  • 11 Leituras Adicionais
  • 12 gravações de áudio
  • 13 outros projetos
  • 14 links externos

A música italiana foi tida em alta conta ao longo da história e muitas peças da música italiana são consideradas de alta arte. Mais do que outros elementos da cultura italiana, a música é geralmente eclética, mas única em comparação com a música de outras nações. Nenhum movimento protecionista paroquial jamais tentou manter a música italiana pura e livre de influências estrangeiras, exceto por um curto período sob o regime fascista das décadas de 1920 e 1930. [1] Como resultado, a música italiana reteve elementos de muitos povos que dominaram ou influenciaram o país, incluindo francês, alemão e espanhol. Contribuições históricas para a música do país também são uma parte importante do orgulho nacional. A história relativamente recente da Itália inclui o desenvolvimento de uma tradição operística que se espalhou pelo mundo antes do desenvolvimento da identidade italiana ou de um estado italiano unificado, a península italiana contribuiu para inovações importantes na música, incluindo o desenvolvimento da notação musical e do canto gregoriano .

Edição de identidade social

A Itália tem um forte senso de identidade nacional por meio de uma cultura distinta - um senso de apreciação pela beleza e emoção, que é fortemente destacado na música. Questões culturais, políticas e sociais são freqüentemente expressas por meio da música na Itália. A lealdade à música é parte integrante da identidade social dos italianos, mas nenhum estilo foi considerado um "estilo nacional" típico. A maior parte da música folclórica é localizada e exclusiva de uma pequena região ou cidade. [2] [3] O legado clássico da Itália, no entanto, é um ponto importante da identidade do país, particularmente a ópera e as peças operísticas tradicionais permanecem uma parte popular da música e um componente integral da identidade nacional. A produção musical italiana continua caracterizada pela "grande diversidade e independência criativa (com) uma rica variedade de tipos de expressão". [3]

Com o aumento da industrialização acelerando ao longo dos séculos 20 e 21, a sociedade italiana mudou gradualmente de uma base agrícola para um centro urbano e industrial. Essa mudança enfraqueceu a cultura tradicional em muitas partes da sociedade, um processo semelhante ocorreu em outros países europeus, mas, ao contrário deles, a Itália não teve grandes iniciativas para preservar a música tradicional. A imigração do Norte da África, Ásia e outros países europeus levou a uma maior diversificação da música italiana. A música tradicional existia apenas em pequenos bolsos, especialmente como parte de campanhas dedicadas à preservação das identidades musicais locais. [4]

Mudança de política

Música e política estão interligadas na Itália há séculos. Assim como muitas obras de arte da Renascença italiana foram encomendadas pela realeza e pela Igreja Católica Romana, muitas músicas também foram compostas com base nessas encomendas - música de fundo da corte, música de coroação, para o nascimento de um herdeiro real, marchas reais e outras ocasiões . Os compositores que se afastaram correram certos riscos. Entre os casos mais conhecidos está o compositor napolitano Domenico Cimarosa, que compôs o breve hino republicano para a República Napolitana de 1799. Quando a república caiu, ele foi julgado por traição junto com outros revolucionários. Cimarosa não foi executado pela monarquia restaurada, mas foi exilado. [5]

A música também desempenhou um papel na unificação da península. Durante este período, alguns líderes políticos tentaram usar a música para forjar uma identidade cultural unificadora. Um exemplo é o coro "Va, Pensiero" da ópera de Giuseppe Verdi Nabucco. A obra fala da antiga Babilônia, mas o coro contém a frase "Ó minha pátria", aparentemente sobre a luta dos israelitas, mas também uma referência sutilmente velada ao destino de uma Itália que ainda não uniu todo o coro tornou-se o hino não oficial do Risorgimento, o esforço para unificar a Itália no século XIX. O nome de Verdi também era sinônimo de unidade italiana porque "verdes"pode ​​ser lido como um acrônimo para Vittorio Emanuele Rei da Itália, o monarca da Sabóia que eventualmente se tornou Vittorio Emanuele II, o primeiro rei da Itália unida. Então "Viva Verdi"era um grito de guerra para os patriotas e frequentemente aparecia nas pichações nas paredes de Milão e de outras cidades no que então fazia parte do território austro-húngaro. Verdi teve problemas com a censura antes da unificação da Itália. Sua ópera Um baile de máscaras foi originalmente intitulado Gustavo III e foi apresentado na obra de San Carlo em Nápoles, capital do Reino das Duas Sicílias, no final da década de 1950. Os censores napolitanos se opuseram à trama realista sobre o assassinato de Gustav III, rei da Suécia, em 1790. Mesmo depois que a trama foi alterada, os censores napolitanos ainda a rejeitaram. [6]

Mais tarde, na era fascista das décadas de 1920 e 1930, a censura do governo e a interferência na música ocorreram, embora não de forma sistemática. Exemplos proeminentes incluem o conhecido manifesto antimodernista de 1932 [7] e a proibição da obra A história do filho mudado de Gian Francesco Malipiero por Mussolini, após uma apresentação em 1934. [8] A mídia musical freqüentemente criticava a música que era considerada politicamente radical ou insuficientemente italiana. [3] Os órgãos gerais de imprensa, como oEnciclopédia Italiana Moderna, tendeu a tratar compositores tradicionalmente preferidos, como Giacomo Puccini e Pietro Mascagni, com a mesma brevidade que compositores e músicos não tão favorecidos: modernistas como Alfredo Casella e Ferruccio Busoni, ou seja, as entradas na enciclopédia da época eram meras listas de carreira tais como composições e posições no ensino. Até o maestro Arturo Toscanini, oponente declarado do fascismo, [9] recebeu o mesmo tratamento neutro e distante, sem sequer mencionar sua postura "anti-regime". [10] Talvez o episódio mais conhecido da música que colide com a política envolva o próprio Toscanini. Ele foi forçado a deixar a direção musical do La Scala de Milão em 1929, porque se recusou a iniciar qualquer apresentação com a canção fascista "Giovinezza". Por este insulto ao regime, ele foi atacado e espancado na rua em frente à ópera de Bolonha após uma apresentação em 1931. [11] Durante a era fascista, a pressão política impediu o desenvolvimento da música clássica, embora a censura não fosse tão sistemática como no nazismo Alemanha. Uma série de "leis raciais" foi aprovada em 1938, negando assim aos compositores e músicos judeus a filiação em associações profissionais e artísticas. [12] Embora não tivesse havido uma fuga em massa de judeus italianos da Itália naquela época (em comparação com a situação na Alemanha), [13] o compositor Mario Castelnuovo-Tedesco, um judeu italiano, foi um dos que emigrou. Alguns inimigos não judeus do regime também emigraram: Toscanini, por exemplo. [1] [14]

Mais recentemente, na segunda metade do século XX, particularmente na década de 1970 e além, a música foi ainda mais enredada pela política italiana. [14] Um renascimento das raízes estimulou o interesse pelas tradições populares, lideradas por escritores, colecionadores e artistas tradicionais. [3] A direita política na Itália viu este renascimento enraizado com desprezo, como um produto das "classes desfavorecidas". [15] A cena revivalista, portanto, tornou-se associada à oposição e se tornou um veículo para "protestar contra o capitalismo de livre mercado". [3] Da mesma forma, a cena da música clássica de vanguarda foi associada e promovida pelo Partido Comunista Italiano desde os anos 1970, uma mudança que pode ser rastreada até as revoltas e protestos estudantis de 1968. [4]

A Itália tem sido um centro para a música clássica europeia e, no início do século 20, a música clássica italiana forjou um som nacional distintamente romântico e melódico. Como é típico das óperas de Giuseppe Verdi, era uma música em que ". As linhas vocais sempre dominam o complexo tonal e nunca são ofuscadas por acompanhamentos instrumentais." [16] A música clássica italiana resistiu ao "rolo compressor harmônico alemão" [17] - isto é, as harmonias densas de Richard Wagner, Gustav Mahler e Richard Strauss. A música italiana também tinha pouco em comum com a reação francesa a essa música alemã - o impressionismo de Claude Debussy, por exemplo, no qual o desenvolvimento melódico é amplamente abandonado para a criação de um clima e atmosfera através dos sons dos acordes individuais. [18]

A música clássica europeia mudou drasticamente no século XX.A nova música abandonou grande parte das escolas históricas de harmonia e melodia desenvolvidas nacionalmente em favor da música experimental, atonalidade, minimalismo e música eletrônica, que empregam características que se tornaram comuns à música europeia em geral e não a toda. ”Itália em particular. [19] Essas mudanças também tornaram a música clássica menos acessível para muitas pessoas. Compositores importantes deste período são Ottorino Respighi, Ferruccio Busoni, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Franco Alfano, Bruno Maderna, Luciano Berio, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, Salvatore Sciarrino, Luigi Dallapiccola, Carlo Jachino, Gian Carlo Menotti, Jacopo Napoli e Goffredo Petrassi.

Opera Edit

A obra teve origem na Itália no final do século 16, durante o período da Camerata florentina. Ao longo dos séculos que se seguiram, as tradições da ópera desenvolveram-se em Nápoles e Veneza, as obras de Claudio Monteverdi, Alessandro Scarlatti e, mais tarde, Gioachino Rossini, Vincenzo Bellini e Gaetano Donizetti floresceram. A ópera manteve-se como a forma musical mais intimamente ligada à música italiana e à identidade italiana. Isso ficou mais evidente no século XIX por meio das obras de Giuseppe Verdi, um ícone da cultura italiana e da unidade pan-italiana. A Itália manteve uma tradição musical de ópera romântica no início do século 20, exemplificada pelos compositores da chamada Escola Jovem, cuja música se ancorou no século anterior, entre eles Arrigo Boito, Ruggero Leoncavallo, Pietro Mascagni e Francesco Cilea. Giacomo Puccini, que era um compositor verista, foi descrito por Enciclopédia Britânica Online como o homem que "praticamente encerrou a história da ópera italiana". [20]

Após a Primeira Guerra Mundial, no entanto, a obra declinou em comparação com as alturas populares do século XIX e início do século XX. As causas incluíram o afastamento cultural geral do romantismo e a ascensão do cinema, que se tornou uma importante fonte de entretenimento. Uma terceira causa é o fato de que o "internacionalismo" levou a ópera italiana contemporânea a um estado em que ela não era mais "italiana". [4] Esta foi a opinião de pelo menos um eminente musicólogo e crítico italiano, Fausto Terrefranca que, em um panfleto de 1912 intitulado Giacomo Puccini e a ópera internacional, [21] acusou Puccini de "especulação" e de ter abandonado as tradições italianas. A ópera romântica tradicional permaneceu popular, de fato, a editora de ópera dominante no início do século 20 foi a Casa Ricordi, que se concentrou quase exclusivamente em óperas populares até a década de 1930, quando a companhia licenciou compositores mais incomuns e menos atraentes. O surgimento de editoras relativamente novas, como Carisch e Suvini Zerboni, também ajudou a alimentar a diversificação da obra italiana. [4] O trabalho continua sendo uma parte importante da cultura italiana, um interesse renovado pelo trabalho nos setores da sociedade italiana começou na década de 1980. Entre os compositores desta época, recordamos o conhecido Aldo Clementi e colegas mais jovens como Marco Tutino e Lorenzo Ferrero. [4]

Edição de música sacra

A Itália, sendo uma das nações seminais do catolicismo, tem uma longa história de música para a Igreja Católica Romana. Até cerca de 1800 era possível ouvir o canto gregoriano e a polifonia renascentista, como as músicas de Palestrina, Lassus, Anerio e outros. Por volta de 1800 a cerca de 1900 foi um século durante o qual se ouviu um tipo de música sacra mais popular, operística e divertida, com exceção do canto e da polifonia acima mencionados. No final do século XIX, o Movimento Ceciliano foi iniciado por músicos que lutaram pela restauração desta música. Esse movimento ganhou força não na Itália, mas na Alemanha, especialmente em Regensburg. O movimento atingiu seu ápice por volta de 1900 com a ascensão de Don Lorenzo Perosi e seu apoiador (e futuro santo), o Papa Pio X. [22] O advento do Vaticano II, no entanto, quase eliminou toda a música na língua latina da Igreja , substituindo-o mais uma vez por um estilo mais popular. [23]

Edição de música instrumental

O sucesso da ópera na música italiana tende a obscurecer a importante área da música instrumental. [24] Historicamente, essa música inclui a ampla gama de música instrumental sacra, concertos instrumentais e música orquestral nas obras de Andrea Gabrieli, Giovanni Gabrieli, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Tomaso Albinoni, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Luigi Boccherini, Muzio Clementi , Luigi Cherubini, Giovanni Battista Viotti e Niccolò Paganini. Os compositores de ópera ocasionalmente trabalhavam em outras formas, por exemplo, o Quarteto em Mi menor de Giuseppe Verdi. Donizetti, cujo nome se identifica com o início da ópera italiana, também escreveu 18 quartetos de cordas. No início do século XX, após um período de crise que durou quase um século, a música instrumental começou a ganhar importância, processo que se iniciou por volta de 1904 com a Segunda Sinfonia de Giuseppe Martucci, obra que Gian Francesco Malipiero chamou de "o ponto de partida" para o renascimento da música italiana não ópera ". [25] Vários primeiros compositores desta época, como Leone Sinigaglia, usaram tradições folclóricas indígenas.

O início do século XX é também marcado pela presença de um grupo de compositores denominado geração dos oitenta (geração de 1880), entre os quais Franco Alfano, Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti e Ottorino Respighi. Esses compositores, seguindo o caminho percorrido inicialmente pelo citado Martucci, costumam se concentrar na escrita de obras instrumentais, e não na ópera. Os membros desta geração foram as figuras dominantes na música italiana após a morte de Puccini em 1924, ano com o qual tende a indicar o fim da história da ópera italiana. [4] Novas organizações surgiram para promover a música italiana, como a Festival de Música Contemporânea de Veneza e o Maggio Musicale Fiorentino. A fundação do periódico de Guido Gatti O piano e depois A crítica musical eles também ajudaram a promover uma visão mais ampla da música no que diz respeito ao clima político e social permitido. No que se refere ao século XX, é importante citar a figura de Mario Castelnuovo-Tedesco, pianista e compositor lembrado como um dos mais importantes autores do violão clássico do século XX. A maioria dos italianos, no entanto, preferia peças mais tradicionais e normais e apenas uma pequena parte do público procurava novos estilos de música clássica experimental. [4]

Edição de balé

As contribuições italianas ao balé são menos conhecidas e apreciadas do que em outros setores da música clássica. A Itália, especialmente Milão, era um centro do balé da corte já no século 15, influenciada por entretenimentos comuns em celebrações reais e casamentos aristocráticos. Os primeiros coreógrafos e compositores do balé incluem Fabritio Caroso e Cesare Negri. O estilo de balé conhecido como "os shows". estilo italiano"exportado da Itália para a França se consolidou e o primeiro balé realizado na França (1581), Ballet Comique de la Reine, foi coreografado por um italiano, Baltazarini di Belgioioso, [26] mais conhecido pela versão francesa de seu nome, Balthasar de Beaujoyeulx. O primeiro balé foi acompanhado por considerável instrumentação, com a execução de trompas, trombones, tambores, dulcimers, gaitas de foles, etc. Embora a música não tenha sobrevivido, especula-se que os próprios dançarinos possam ter tocado os instrumentos no palco. [27] Então, na esteira da Revolução Francesa, a Itália novamente se tornou um centro da dança, em grande parte graças aos esforços de Salvatore Viganò, um coreógrafo que colaborou com alguns dos compositores mais importantes da época. Ele se tornou professor de dança no La Scala em 1812. [26] O exemplo mais conhecido do balé italiano do século 19 é provavelmente oExcelsior, com música de Romualdo Marenco e coreografia de Luigi Manzotti. Foi composta em 1881 e é uma grande homenagem ao progresso científico e industrial do século XIX. Ainda é apresentado e foi encenado em 2002.

Atualmente, as principais casas de ópera italianas mantêm companhias de balé. Eles existem para fornecer palco e danças cerimoniais em muitas óperas, como Aida ou The Traviata. Essas companhias de dança geralmente mantêm uma temporada de balé separada e executam o repertório padrão do balé clássico, do qual pouco é italiano. O equivalente italiano do Ballet Bolshoi Russo e companhias semelhantes que existem apenas para atuar no balé, independente de uma casa de ópera, é o Corps de Ballet do Teatro alla Scala. Em 1979, uma companhia de dança moderna, Aterballetto, foi fundada em Reggio Emilia por Vittorio Biagi.

Edição experimental de música

A música experimental é um campo amplo e vagamente definido que inclui a música criada pelo abandono dos conceitos clássicos tradicionais de melodia e harmonia e usando a nova tecnologia da eletrônica para criar sons até então impossíveis. Na Itália, um dos primeiros a dedicar sua atenção à música experimental foi Ferruccio Busoni, cuja publicação de 1907, Esboço de uma nova estética da música, discutiu o uso de novos sons elétricos e outros na música do futuro. Ele falou de sua insatisfação com as restrições da música tradicional:

“Dividimos a oitava em doze graus equidistantes. e construímos nossas ferramentas de tal forma que nunca podemos subir ou descer ou entre elas. nossos ouvidos não conseguem ouvir mais nada. ainda a natureza criou um gradação infinita, infinita! Quem ainda sabe hoje? [28] "

Da mesma forma, Luigi Russolo, o pintor e compositor futurista italiano, escreveu sobre as possibilidades da nova música em seus pôsteres de 1913. A arte dos ruídos é Música futurista. Ele também inventou e construiu ferramentas como o entonação de ruído, principalmente percussão, que foi usada em um precursor do estilo conhecido como musique concreta. Um dos eventos mais influentes na música do início do século XX foi o retorno de Alfredo Casella da França em 1915 Casella fundou a Sociedade Italiana de Música Moderna, que promoveu vários compositores com estilos díspares, que vão do experimental ao tradicional. Depois de uma disputa sobre o valor da música experimental em 1923, Casella formou a New Music Corporation para promover a música experimental moderna. [4]

Nos anos 1950, Luciano Berio experimentou instrumentos acompanhados de sons eletrônicos em fita. Na Itália moderna, uma importante organização que promove a pesquisa em música eletrônica e de vanguarda é a CEMAT, a Federação dos Centros de Música Eletroacústica da Itália. Foi fundada em 1996 em Roma e é membro do CIME, o Confédération Internationale de Musique Electroacoustique. A CEMAT promove as actividades do projecto "Sonora", lançado conjuntamente pelo Departamento das Artes do Espectáculo, Ministério da Cultura e Direcção das Relações Culturais do Ministério dos Negócios Estrangeiros com o objectivo de promover e divulgar a música contemporânea. Italiano no estrangeiro .

Música Clássica na Sociedade Editar

A música clássica italiana desenvolveu-se gradualmente mais experimental e progressiva em meados do século 20, enquanto o gosto popular tendeu a se ater aos compositores e composições consagrados do passado. [4] O programa de 2004-2005 no Teatro San Carlo em Nápoles é típico da Itália moderna: das oito óperas representadas, a mais recente foi de Puccini. Na música sinfônica, dos 26 compositores cuja música foi tocada, 21 deles eram do século 19 ou anteriores, compositores que usavam melodias e harmonias típicas da era romântica. Esse foco é comum a outras tradições europeias e é conhecido como pós-modernismo, uma escola de pensamento que se baseia em conceitos harmônicos e melódicos anteriores que precedem as concepções de atonalidade e dissonância. [29] Esta atenção aos compositores históricos populares tem contribuído para manter uma presença constante da música clássica em grande parte da sociedade italiana. Quando a música faz parte de uma exibição ou reunião pública, geralmente é escolhida a partir de um repertório bastante eclético que provavelmente inclui música clássica e popular.

Algumas obras recentes passaram a fazer parte do repertório moderno, incluindo partituras e peças de compositores como Luciano Berio, Luigi Nono, Franco Donatoni e Sylvano Bussotti. Esses compositores não fazem parte de uma escola ou tradição distinta, embora compartilhem certas técnicas e influências. Na década de 1970, a música clássica de vanguarda foi ligada ao Partido Comunista Italiano, enquanto um renascimento do interesse popular continuou na década seguinte, com fundações, festivais e organizações criadas para promover a música moderna. No final do século 20, o patrocínio governamental de instituições musicais começou a declinar e muitos coros e orquestras da RAI foram encerrados. Apesar disso, vários compositores ganharam fama internacional no início do século XXI. [4]

A música tradicional italiana tem uma história profunda e complexa. [30] Desde que a unificação nacional chegou tarde à península italiana, a música tradicional de suas muitas centenas de culturas não mostra um caráter nacional homogêneo. Em vez disso, cada região e comunidade possui uma tradição musical única que reflete a história, a língua e a composição étnica daquele lugar específico. [31] Essas tradições refletem a localização geográfica da Itália no sul da Europa e as influências celtas, romanas e eslavas do Mediterrâneo central, como a geografia bruta e a dominação histórica de pequenas cidades, combinaram-se para permitir a coexistência de diferentes estilos musicais nas proximidades.

Os estilos folclóricos italianos são muito diversos e incluem canções monofônicas, polifônicas e responsórias, música coral, instrumental e vocal e outros estilos. O canto coral e as formas polifônicas das canções são encontradas principalmente no norte da Itália, enquanto o canto solo é mais comum ao sul de Nápoles e os grupos geralmente usam o canto uníssono em duas ou três partes executadas por um único intérprete. O canto de baladas do norte é silábico, com um ritmo rigoroso e letras compreensíveis, enquanto os estilos do sul usam um tempo de roubado e um estilo vocal comovente e agitado. [32] Músicos folclóricos usam o dialeto de sua tradição regional, esta rejeição da língua italiana padrão na canção popular é quase universal. Há pouca percepção de uma tradição folclórica italiana e a música popular do país nunca se tornou um símbolo nacional. [32]

Editar regiões

A música popular às vezes é dividida em diferentes esferas de influência geográfica, um sistema de classificação de três regiões, sul, centro e norte, proposto por Alan Lomax em 1956 [34] e frequentemente repetido. Além disso, Curt Sachs [35] propôs a existência de dois tipos bastante distintos de música popular na Europa: continental e mediterrânea e outros [36] colocaram a zona de transição do primeiro para o último aproximadamente no centro-norte da Itália, aproximadamente entre Pesaro e La Spezia. As partes central, norte e sul da península compartilham certas características musicais e são distintas da música da Sardenha. [32]

Nos vales do Piemonte e em algumas comunidades da Ligúria do noroeste da Itália, a música retém a forte influência da antiga Occitânia. Os textos dos trovadores occitanos são alguns dos exemplos mais antigos preservados de canções nos grupos vernáculos e modernos, como Gai Saber [37] e Lou Dalfin, preservam e tornam a música occitana contemporânea. A cultura occitana mantém as características da antiga influência celta, através do uso de flautas com seis ou sete orifícios (Fiffaro) ou gaita de foles (Número de IVA) A música de Friuli-Venezia Giulia, no nordeste da Itália, compartilha muito mais com a Áustria e a Eslovênia, incluindo variantes da valsa e da polca. Grande parte do norte da Itália compartilha com áreas da Europa mais ao norte o interesse em cantar baladas (chamadas canção lírica épica) e canto coral. Baladas, geralmente consideradas um veículo para uma voz solo, também podem ser cantadas em refrões. Na província de Trento, os "coros populares" são a forma mais comum de produção musical. [38]

Diferenças musicais perceptíveis no tipo sulista incluem maior uso de cantos em intervalos parciais e uma maior variedade de instrumentos folclóricos. As influências celtas e eslavas do grupo e as obras corais de voz aberta do norte rendem-se a uma forte monodia árabe, grega e norte-africana com forte influência sulista. Em algumas partes de Puglia (Salento Grécia, por exemplo), o dialeto Griko é comumente usado em canções. A cidade de Taranto, na Apúlia, é o lar da tarantela, uma dança rítmica amplamente executada no sul da Itália. A música da Apúlia em geral, e a música do Salento em particular, foram bem estudadas e documentadas por etnomusicólogos e por Aramirè.

A música da Sardenha é mais conhecida pelo canto polifônico do tenores. O som de tenores lembra as raízes do canto gregoriano e é semelhante, mas distinto ao trallalero da Ligúria. Ferramentas típicas incluem Laneddas, um cachimbo triplo da Sardenha utilizado de forma sofisticada e complexa. Efisio Melis era um conhecido jogador de Laneddas da década de 1930. [39]

Editar músicas

As canções folclóricas italianas incluem baladas, canções líricas, canções de ninar e canções infantis, canções sazonais baseadas em feriados como o Natal, canções realistas que celebram casamentos, batizados e outros eventos importantes, canções de dança, gritos de gado e canções profissionais, relacionadas a profissões como pescadores, pastores e soldados. As baladas (canções épico-líricas) e canções líricas (canções lírico-monostróficas) são duas categorias importantes. As baladas são mais comuns no norte da Itália, enquanto as canções líricas prevalecem mais ao sul. As baladas estão intimamente relacionadas com a forma inglesa, com algumas baladas inglesas existindo em correspondência exata com uma canção italiana. Outras baladas italianas são mais estritamente baseadas em modelos franceses. As canções de ópera são uma categoria diferente que consiste em canções de ninar, serenatas e canções de trabalho, e muitas vezes são improvisadas, embora com base em um repertório tradicional. [32]

Outras tradições da canção folclórica italiana são menos comuns do que baladas e canções líricas. Estrófico, louvor religiosas, às vezes em latim, ainda são ocasionalmente executadas, e também são conhecidas canções épicas, especialmente as de celebração de Maio. Cantoras profissionais atuam canções de ninar em um estilo semelhante aos de outras partes da Europa. Jodelling existe no norte da Itália, embora seja mais comumente associado à música popular de outras nações alpinas. O Carnaval Italiano está associado a diferentes tipos de canções, em particular ao Carnaval de Bagolino, de Brescia. Corais e metais fazem parte do festival do meio da Quaresma, enquanto a tradição da canção de súplica se estende por muitos festivais ao longo do ano. [32]

Ferramentas de edição

A instrumentação é parte integrante de todos os aspectos da música popular italiana. Existem vários instrumentos que preservam as formas mais antigas, embora os modelos mais recentes tenham se difundido em outras partes da Europa. Muitos instrumentos italianos estão ligados a certos rituais ou ocasiões, como o gaita de foles ou gaita de fole, que geralmente só é ouvido no Natal. [40] Os instrumentos folclóricos italianos podem ser divididos em categorias de cordas, sopros e percussão. [41] Ferramentas comuns incluem o acordeão diatônico, um acordeão mais intimamente associado ao saltarello a acordeão diatônico é o mais comum na Itália central, enquanto os acordeões cromáticos prevalecem no norte. Muitos municípios hospedam bandas de metais, que se apresentam com grupos de revivificação de raiz esses grupos são baseados no clarinete, acordeão, violino e pequenos tambores, decorados com sinos. [32]

Os instrumentos de sopro italianos incluem, notavelmente, uma variedade de flautas folclóricas. Entre eles estão cachimbos, flautas globulares e transversais, além de diversas variações da flauta de panela. As flautas duplas são mais comuns na Campânia, Calábria e Sicília. [42] Um jarro de cerâmica chamado quartara também é usado como um instrumento de sopro, soprando através de uma abertura no estreito gargalo da garrafa encontrada no leste da Sicília e na Campânia. A única gaita de foles (shawm) e duplo (pífano) são normalmente jogados em grupos de dois ou três. [32] Muitas gaitas de foles populares são conhecidas, incluindo a gaita de foles da Itália central Os nomes dos dialetos para zampogna variam em toda a Itália: Baghèt em Bergamo, Número de IVA na Lombardia, musa em Alexandria, Gênova, Pavia e Piacenza e assim por diante.

Numerosos instrumentos de percussão fazem parte da música popular italiana, incluindo blocos de madeira, sinos, castanholas, tambores. Diferentes regiões têm sua própria forma distinta de chocalho, incluindo a perereca e o conocchie calabresi, uma bengala de pastor com chocalhos permanentes e com o significado ritual de fertilidade. O chocalho napolitano é o triccaballacca, feito de vários pauzinhos em uma moldura de madeira. A bateristas e a pandeiro), como vários tipos de tambores, como o putipù, tambor de fricção. O pandeiro, embora soe muito semelhante ao pandeiro ocidental contemporâneo, na verdade é tocado com uma técnica muito mais complexa e sofisticada (influenciada pelo toque do Oriente Médio), dando-lhe uma ampla gama de sons. O harpa é um instrumento peculiar, encontrado apenas no norte da Itália e na Sicília. [32]

Os instrumentos de corda variam amplamente por local, sem nenhum representante de significado nacional. Viggiano é o lar da tradição da harpa, que tem uma base histórica em Abruzzo, Lazio e Calábria.

Só a Calábria tem 30 instrumentos musicais tradicionais, alguns dos quais têm características fortemente arcaicas e estão em grande parte extintos em outras partes da Itália. É a casa do violão de quatro ou cinco cordas chamado batendo violão e um violino de três cordas chamado lira, [43] que também é encontrado em formas semelhantes na música de Creta e do sudeste da Europa. Um violino de uma corda, chamado Torototela, é comum no nordeste do país. A grande área de língua alemã de Trentino-Alto Adige é conhecida por cítara e a ruge-gurdy é encontrado na Emília, Piemonte e Lombardia. [32] Tradições existentes, enraizadas e difundidas confirmam a produção de ferramentas efêmeras e de brinquedo feitas de casca, junco, folhas, fibras e caules, como emerge, por exemplo, das pesquisas de Fabio Lombardi.

Dance Edit

A dança é parte integrante das tradições populares na Itália. Algumas danças são antigas e, até certo ponto, ainda existem hoje. Existem danças mágicas-rituais de propiciação e danças da colheita, incluindo as danças da "colheita do mar" das comunidades pesqueiras na Calábria e as danças da colheita da uva na Toscana. Entre as danças famosas, encontramos a tarantela do sul, talvez a mais icônica das danças italianas, a tarantela está em 8/6 e faz parte de um ritual popular que visa curar o veneno causado pelas picadas da tarântula. As famosas danças toscanas recitam ritualmente a caça à lebre, ou mostram lâminas em danças com armas que simulam ou relembram os movimentos de combate, ou usam armas como instrumentos estilizados da própria dança. Por exemplo, em algumas aldeias no norte da Itália, as espadas são substituídas por semicírculos de madeira bordados com verde, semelhantes às chamadas "danças de guirlanda" no norte da Europa. [44] Também há danças de amor e namoro, como a dança duru-duru na Sardenha. [45]

Muitas dessas danças são atividades em grupo, o grupo é organizado em fileiras ou círculos - algumas - as danças do amor e do namoro - envolvem casais, tanto casais solteiros quanto casais múltiplos. Lá tammuriata (tocada ao som do pandeiro) é uma dança de casal realizada no sul da Itália e acompanhada por uma canção lírica chamada piada. Outras danças para casais são chamadas coletivamente de saltarello. Existem, no entanto, também danças a solo, sendo as mais típicas delas as "danças das bandeiras" de várias regiões da Itália, nas quais o bailarino passa uma bandeira ou bandeira do país à volta do pescoço, pelas pernas, pelas costas. , muitas vezes jogando-o para o alto e pegando-o. Essas danças também podem ser executadas em grupos de dançarinos solo atuando em uníssono ou coordenando a passagem da bandeira entre os dançarinos. O norte da Itália também é o lar do Monferrina, dança acompanhada que foi incorporada à música da arte ocidental pelo compositor Muzio Clementi. [32]

O interesse acadêmico no estudo da dança na perspectiva da sociologia e da antropologia tem sido tradicionalmente esquecido na Itália, mas atualmente está mostrando uma vida renovada nos níveis de graduação e pós-graduação. [46]

A primeira música popular italiana foi a ópera do século XIX. A ópera teve um efeito duradouro na música clássica e popular italiana. Melodias de ópera se espalharam por bandas de metais e grupos em turnê. Lá Canção napolitana É uma tradição distinta que se tornou parte da música popular no século XIX e foi uma imagem icônica da música italiana no exterior no final do século XX. [32] Os estilos importados também se tornaram uma parte importante da música popular italiana, começando com Café chantant Francês nos anos 90 e depois com a chegada do jazz americano nos anos 10. Até o fascismo italiano se tornar oficialmente "alérgico" a influências estrangeiras no final dos anos 1930, a música e os músicos americanos eram bastante populares. O grande jazzista Louis Armstrong viajou pela Itália até 1935 com grande sucesso. [47] Na década de 1950, os estilos americanos tornaram-se mais importantes, especialmente o rock. A tradição de compositores de canções teve um grande desenvolvimento no final dos anos 1960, enquanto a cena do rock italiano logo se diversificou em estilos progressivo, punk, funk e folk. [32]

Primeira edição de canções populares

A ópera italiana tornou-se imensamente popular no século 19 e era conhecida até nas áreas mais rurais do país. A maioria das aldeias teve produções ocasionais de ópera e as técnicas usadas na ópera influenciaram a música folclórica do país. O trabalho se espalhou por companhias itinerantes e bandas de música, concentradas em uma vila local. Essas gangues cívicas (banda municipal) utilizavam instrumentos para executar árias de ópera, com trombones ou filicórnios para as partes vocais masculinas e cornetas para as partes femininas. [32]

A música regional no século 19 também se tornou popular em toda a Itália. Notável entre essas tradições locais foi o Canção napolitana. Embora existam canções anônimas e documentadas de Nápoles de muitos séculos atrás, [48] o termo Canção napolitana agora geralmente se refere a uma grande quantidade de música popular relativamente recente, composta de 'Ó meu sol, Volte para sorrento é Funiculi Funicula. No século 18, muitos compositores, incluindo Alessandro Scarlatti, Leonardo Vinci e Giovanni Paisiello, contribuíram para a tradição napolitana usando a língua local para os textos de algumas de suas obras em quadrinhos. Outros mais tarde, o mais famoso foi Gaetano Donizetti, compôs canções napolitanas que alcançaram grande fama na Itália e no exterior. [32] A tradição da canção napolitana foi formalizada na década de 1930 com um concurso de canção anual para o Festival Piedigrotta anual, [49] dedicado à Madonna di Piedigrotta, uma igreja bem conhecida na área Mergellina de Nápoles. A música é identificada com Nápoles, mas é famosa no exterior, tendo sido exportada nas grandes ondas de emigração de Nápoles e do sul da Itália entre 1880 e 1920. A língua é um elemento extremamente importante da canção napolitana, que é sempre escrita e representada em napolitano . As canções napolitanas geralmente usam harmonias simples e são estruturadas em duas seções, um refrão e versos narrativos, muitas vezes em tons maiores ou menores, em contraste ou em paralelo. [32] Em termos não musicais, isso significa que muitas canções napolitanas podem soar alegres em um minuto e melancólicas em outro.

A música de Francesco Tosti era popular no início do século 20 e é lembrada por suas canções leves e expressivas. Seu estilo se tornou muito popular durante a Belle Époque e é frequentemente conhecida como música de salão. Suas obras mais famosas são Serenata, Adeus e a popular canção napolitana Mar claro, cujos textos são do conhecido poeta dialeto napolitano, Salvatore di Giacomo.

A música popular gravada começou no final do século 19, com estilos internacionais influenciando a música italiana no final dos anos 1910, no entanto, a ascensão da autarquia, a política fascista de isolacionismo cultural em 1922 levou a um afastamento da música popular internacional. Durante este período, músicos italianos famosos viajaram para o exterior e aprenderam elementos do jazz, música latino-americana e outros estilos. Essa música influenciou a tradição italiana, que se espalhou por todo o mundo e foi ainda mais diversificada após a liberalização após a Segunda Guerra Mundial. [32]

Sob as políticas isolacionistas do regime fascista, que chegou ao poder em 1922, a Itália desenvolveu uma cultura musical insular. A música estrangeira foi suprimida quando o governo de Mussolini encorajou o nacionalismo e a pureza linguística e étnica. Artistas populares, no entanto, viajaram para o exterior e trouxeram novos estilos e técnicas. [32] O jazz americano teve uma influência importante em cantores como Alberto Rabagliati, que se tornou conhecido por um estilo de swing. Elementos de harmonia e melodia de jazz e blues foram usados ​​em muitas canções populares, enquanto os ritmos muitas vezes vieram de danças latinas como tango, rumba e beguina. Os compositores italianos incorporaram elementos desses estilos, enquanto a música italiana, especialmente a canção napolitana, passou a fazer parte da música popular em toda a América Latina. [32]

Edição Pop Moderna

Entre os músicos pop italianos mais famosos das últimas décadas estão Domenico Modugno, Mina, Patty Pravo, Mia Martini, Adriano Celentano e, mais recentemente, Zucchero Fornaciari, Mango, Claudio Baglioni, Vasco Rossi, Irene Grandi, Gianna Nannini e estrelas internacionais Eros Ramazzotti, Laura Pausini e Andrea Bocelli. Os músicos que compõem e cantam suas canções são chamados compositores de canções. Suas composições costumam focar em temas de relevância social e muitas vezes são canções de protesto: essa onda começou na década de 1960 com músicos como Fabrizio De André, Paolo Conte, Giorgio Gaber, Umberto Bindi, Gino Paoli e Luigi Tenco. Temas sociais, políticos, psicológicos e intelectuais, principalmente na esteira da obra de Gaber e De André, tornaram-se ainda mais predominantes na década de 1970 por meio de autores como Lucio Dalla, Pino Daniele, Francesco De Gregori, Ivano Fossati, Francesco Guccini, Edoardo Bennato, Rino Gaetano e Roberto Vecchioni. Lucio Battisti, do final dos anos 1960 até meados dos anos 1990, fundiu a música italiana com o rock e pop britânico e, mais recentemente em sua carreira, com gêneros como synthpop, rap, techno e eurodance, enquanto Angelo Branduardi e Franco Battiato embarcaram em um carreira mais orientada para a tradição da música pop italiana. [50] Existe algum tipo de cruzamento entre o compositores de canções e aqueles que são vistos como cantores de "música de protesto". [51]

As trilhas sonoras, embora secundárias ao filme, são frequentemente aclamadas pela crítica e muito populares em seu gênero. Entre as primeiras músicas para filmes italianos da década de 1930 estava a obra de Riccardo Zandonai com as trilhas sonoras dos filmes Princesa Tarakanova (1937) e Caravaggio, o pintor maldito (1941). Entre os exemplos do pós-guerra estão Goffredo Petrassi com Não há sossego entre as oliveiras (1950) e Roman Vlad com Romeu e Julieta (1954). Outro compositor de música para cinema conhecido foi Nino Rota, cuja carreira no pós-guerra incluiu trilhas sonoras para filmes de Federico Fellini e, posteriormente, La serie. O padrinho. Outros compositores importantes de trilhas sonoras são Ennio Morricone, Riz Ortolani e Piero Umiliani. [52]

Dança Moderna Editar

A Itália tem sido um país importante para a dance music eletrônica, principalmente desde a criação da italo disco no final dos anos 70 e início dos anos 80. O gênero disco-originado misturou "melodias melódicas" com música pop e eletrônica, [53] fazendo uso de sintetizadores e baterias eletrônicas, que muitas vezes deram um som futurista. De acordo com um artigo no The Guardian, em cidades como Verona e Milão, os produtores trabalhariam com cantores, usando sintetizadores de massa e baterias eletrônicas e incorporando-os em uma mistura de música experimental com uma "sensibilidade pop clássico" [53] que deveria ser destinado a clubes noturnos. [53] As canções produzidas seriam posteriormente vendidas por gravadoras e empresas como a Discomagic of Milan. [53] A italo disco influenciou vários grupos eletrônicos, como Pet Shop Boys, Erasure e New Order, [53] bem como gêneros como Eurodance, Eurobeat e freestyle. Em 1988, no entanto, o gênero havia se fundido com outras formas de dança e música eletrônica europeias, uma das quais era italo house. Italo house mistura elementos de italo disco com house music tradicional, seu som era geralmente edificante e fazia uso forte de melodias de piano. Na segunda metade da década de 1990, surgiu um subgênero do Eurodance conhecido como dança Italo. Seguindo uma dica de italo disco e italo house, a dança italo geralmente incluía riffs de sintetizador, um som melódico e o uso de vocoders. Ao longo dos anos, houve vários compositores e produtores italianos proeminentes de dance music, como Giorgio Moroder, que ganhou três Oscars por sua música. Ele é creditado pela AllMusic como "Um dos principais arquitetos do som disco". [54]

Estilos importados Editar

Durante o Belle Époque, a moda francesa de apresentar música popular no café-chantant espalhou-se pela Europa. [55] A tradição tinha muito em comum com o cabaré, e há sobreposição entre café-chantant, café-concerto, cabaré, music hall, vaudeville e outros estilos semelhantes, mas pelo menos em sua manifestação italiana, a tradição permaneceu amplamente apolítica, com foco na música pop, muitas vezes picante, mas não obscena. O primeiro café-chantant na Itália foi o Salone Margherita, inaugurado em 1890 nas instalações da nova Galleria Umberto de Nápoles.[56] Em outros lugares da Itália, o Gran Salone Eden de Milão e o Music Hall Olympia de Roma foram inaugurados logo em seguida. O café-chantant era alternativamente conhecido na forma italianizada de café-concerto. O vocalista, geralmente uma mulher, era chamado de chanteuse em francês, o termo italiano, Sciantosa, foi cunhado diretamente dos franceses. As canções em si não eram francesas, mas eram alegres ou ligeiramente sentimentais compostas em italiano. Essa música saiu de moda com o advento da Primeira Guerra Mundial.

A influência das formas pop americanas foi forte desde o final da Segunda Guerra Mundial. O grande número de shows da Broadway, grandes bandas, rock and roll e hip hop continuam a ser populares. A música latina, especialmente a bossa nova brasileira, também é popular, e o gênero porto-riquenho do reggaeton está rapidamente se tornando uma forma de música de dança tradicional. Não é incomum que artistas pop italianos modernos, como Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Zucchero Fornaciari ou Andrea Bocelli lançem novas canções em inglês ou espanhol, além ou em vez de canções em italiano. Assim, as resenhas musicais, que são os programas mais comuns na atual televisão italiana, podem facilmente ir, em uma única noite, de uma série de big bands com dançarinos a um imitador de Elvis a um cantor pop interpretando uma interpretação de um ar de Puccini.

O jazz chegou à Europa durante a Primeira Guerra Mundial graças à presença de músicos americanos em bandas militares que tocavam música sincopada. [57] No entanto, ainda antes, a Itália recebeu uma sugestão de nova música através do Atlântico na forma de cantores e dançarinos crioulos que se apresentou no Eden Theatre em Milão em 1904 se autodenominou os "criadores do cakewalk". As primeiras verdadeiras orquestras de jazz na Itália, no entanto, foram formadas na década de 1920 por bandleaders como Arturo Agazzi e tiveram sucesso imediato. [47] Apesar das políticas culturais antiamericanas do regime fascista na década de 1930, o jazz americano permaneceu popular.

Nos anos imediatamente posteriores à guerra, o jazz disparou na Itália. Todos os estilos de jazz americano do pós-guerra, do bebop ao free jazz e fusion, têm seus equivalentes na Itália. A universalidade da cultura italiana fez com que os clubes de jazz se espalhassem pela península, que todos os estúdios de rádio e televisão tivessem bandas house baseadas no jazz, que os músicos italianos começassem a cultivar uma espécie de jazz doméstico, baseado em formas de canções europeias, técnicas de composição clássica música popular. Atualmente, todos os conservatórios de música italianos têm departamentos de jazz, e há festivais de jazz todos os anos na Itália, o mais conhecido dos quais é o Umbria Jazz Festival, e há publicações notáveis ​​como a revista Musica jazz.

O pop rock italiano produziu grandes estrelas como Zucchero Fornaciari e gerou muitos sucessos. A mídia da indústria, especialmente a televisão, são veículos importantes para esse tipo de música e programa de televisão Sábado à noite é característico. [58] A Itália estava na vanguarda do movimento de rock progressivo dos anos 1970, um estilo que se desenvolveu principalmente na Europa, mas também conquistou público em outras partes do mundo. O rock progressivo na Itália às vezes é considerado um gênero separado. Bandas italianas como The Trip, Area, Premiata Forneria Marconi (PFM), Arti e Mestieri, Banco del Mutuo Soccorso, New Trolls, Goblin, Osanna, Saint Just e Le Orme incorporaram uma mistura de rock sinfônico e música folclórica italiana e eram populares em toda a Europa e nos Estados Unidos. Outras bandas progressivas como Perigeo, Bronze Ballet, Rosenbach Museum, Reverse of the Medal, Ticket to Hell ou Alphataurus permaneceram pouco conhecidas, mas seus álbuns agora são considerados clássicos por colecionadores. Algumas bandas ou artistas de vanguarda (Area, Picchio dal Pozzo, Opus Avantra, Stormy Six, Saint Just, Giovanni Lindo Ferretti) ganharam notoriedade por seu som inovador. Os shows de rock progressivo na Itália tendiam a ter um forte viés político e uma vibração enérgica.

A cena hip hop italiana começou no início dos anos 90 com o Articolo 31 de Milão, cujo estilo foi influenciado principalmente pelo rap da costa leste. Os outros primeiros grupos de hip hop eram tipicamente de orientação política, como 99 Posse, que mais tarde se tornou mais influenciado pelo trip hop britânico. Bandas mais recentes incluem gangsta raps como La Fossa na Sardenha. Outros estilos importados recentemente incluem techno, trance e eletrônica interpretados por artistas como Gabry Ponte, Eiffel 65 e Gigi D'Agostino. [59] O hip hop é particularmente característico do sul da Itália, um fato que contribuiu para considerar por alguns observadores a cultura sulista como mais "africana" do que "europeia", bem como o conceito sulista de respeito é honra, uma forma verbal de justa medieval ambos os fatos ajudaram a identificar a música do sul da Itália com o estilo hip-hop afro-americano. [60] Além disso, existem muitas bandas na Itália que tocam um estilo chamado Patchanka, que se caracteriza por uma mistura de música tradicional, punk, reggae, rock e letras políticas. Modena City Ramblers é uma das bandas mais famosas, conhecidas por sua mistura de irlandês, italiano, punk, reggae e muitas outras formas de música. [59]

A Itália também se tornou o lar de numerosos projetos de fusão do Mediterrâneo. Entre eles estão Al Darawish, uma banda multicultural sediada na Sicília e liderada pelo palestino Nabil Ben Salaméh. A Orquestra de Hipertexto de Luigi Cinque Tarantula é outro exemplo, assim como o álbum TaraGnawa por Phaleg e Nour Eddine. Mango é um dos artistas mais conhecidos que fundiu o pop com sons mundiais e mediterrâneos, álbuns como Agora, Sirtaki é Como água são exemplos de seu estilo. O popular cantor napolitano Massimo Ranieri também lançou um CD, Hoje ou amanhã, do tradicional Canção napolitana com ritmos e instrumentos norte-africanos. [59]

Um relatório econômico recente afirma que a indústria da música na Itália produziu 2,3 ​​bilhões de euros em 2004. Este montante refere-se à venda de CDs, eletrônicos musicais, instrumentos musicais e à venda de ingressos para apresentações ao vivo. 4,35% em 2004. Vendas reais de música os álbuns diminuíram um pouco, mas houve um aumento compensador nas músicas pagas baixadas digitalmente de sites aprovados pela indústria. A título de comparação, a indústria fonográfica italiana está em oitavo lugar no mundo, já que os italianos possuem 0,7 álbum de música per capita em comparação com os Estados Unidos, ocupando o primeiro lugar com 2,7. O relatório cita um aumento de 20% em 2004 em comparação com 2003 nos royalties pagos para música ao vivo e no ar. [61]

A nível nacional, existem três redes de televisão estatais e três privadas. Todos transmitem música ao vivo pelo menos parte do tempo, empregando músicos, cantores e dançarinos. Muitas grandes cidades italianas também têm estações de televisão locais, que podem oferecer música ao vivo ou dialeto, muitas vezes de interesse apenas nas imediações. Os hipermercados de livros e CDs entraram no mercado italiano nos últimos dez anos. A maior dessas redes é a Feltrinelli, originalmente uma editora na década de 1950. Em 2001 atingiu o nível de Loja de Multimídia e agora vende grandes quantidades de música gravada. Desde 2006, são 14 mega lojas desse tipo na Itália, com outras planejadas. A FNAC é outra grande rede, originalmente francesa. Possui seis grandes lojas na Itália. Essas lojas também servem como locais para apresentações musicais, recebendo vários shows por semana.

Os locais de música na Itália incluem concertos em muitos conservatórios de música, salas sinfônicas e casas de ópera. A Itália também tem muitos festivais internacionais de música famosos a cada ano, incluindo o Festival dei Due Mondi em Spoleto, o Festival Puccini e o Festival de Wagner em Ravello. Alguns festivais oferecem locais para compositores de música clássica mais jovens, produzindo e apresentando as obras vencedoras em concursos. O vencedor, por exemplo, do Concurso Internacional "Orpheus" de Nova Ópera e Música de Câmara - para além de um considerável prémio em dinheiro - poderá ver a sua obra musical apresentada no Festival de Spoleto. [62] Existem também dezenas de master classes de música patrocinadas de forma privada que encenam concertos para o público todos os anos. A Itália também é um destino comum para orquestras conhecidas do exterior em quase qualquer momento durante a temporada de maior movimento, pelo menos uma grande orquestra de outras partes da Europa ou da América do Norte está realizando um concerto na Itália. Além disso, a música pública pode ser ouvida em dezenas de shows de pop e rock ao longo do ano. A ópera ao ar livre também pode ser ouvida, por exemplo, no antigo anfiteatro romano, a Arena de Verona.

Bandas militares também são populares na Itália. A nível nacional, uma das mais conhecidas é a banda musical de Polícia Financeira (Alfândega / Polícia de Fronteiras Italiana) realiza muitas vezes por ano.

Muitos teatros também organizam rotineiramente não apenas traduções italianas de musicais americanos, mas também verdadeiras comédias musicais italianas, como são chamadas pelo termo inglês. musical. Em italiano, esse termo descreve um tipo de drama musical não originado na Itália, uma forma que usa o idioma americano de jazz-pop e rock e ritmos para continuar uma história em uma combinação de canções e diálogos.

A música nos rituais religiosos, principalmente nos católicos, se manifesta de várias maneiras. Bandas paroquiais, por exemplo, são bastante comuns em toda a Itália. Eles podem ser pequenos com quatro ou cinco membros ou até 20 ou 30. Eles costumam se apresentar em festas religiosas características de uma determinada cidade, geralmente em homenagem ao santo padroeiro da cidade. Obras-primas orquestrais / corais históricas executadas na igreja por profissionais são bem conhecidas, incluindo obras como lo Stabat mater por Giovanni Battista Pergolesi e o Réquiem por Verdi. O Concílio Vaticano II, de 1962 a 1965, revolucionou a música na Igreja Católica Romana, levando a um aumento no número de coros amadores que se apresentam regularmente em vários serviços religiosos. O Concílio também incentivou o canto congregacional de hinos e nos últimos 40 anos um grande repertório de novos hinos foi composto. [63]

Não há muita música original de Natal da Itália. A canção de natal italiana mais famosa é "Tu scendi dalle stelle", as palavras italianas modernas que foram escritas pelo Papa Pio IX em 1870. A melodia é uma versão principal de uma canção napolitana mais antiga, "Quanno Nascette Ninno". Além disso, os italianos cantam principalmente traduções de canções que vêm da tradição alemã e inglesa ("Noite Silenciosa", por exemplo). Não há música secular de Natal italiana nativa, o que explica a popularidade das versões em língua italiana de "Jingle Bells" e "White Christmas". [64]

O Festival de Sanremo é um lugar importante para a música popular na Itália. Tem acontecido todos os anos desde 1951 e é encenado no Teatro Ariston em Sanremo. Tem a duração de uma semana em fevereiro e oferece aos veteranos e novos artistas a oportunidade de apresentarem novas canções. Vencer a competição sempre foi um trampolim para o sucesso do setor. O festival é televisionado em todo o país durante três horas por noite, é apresentado pelas mais conhecidas personalidades da TV italiana e tem sido um trampolim para artistas como Domenico Modugno, talvez o cantor pop italiano mais famoso dos últimos 50 anos.

Os programas de TV de variedades são o local mais adequado para a música popular. Eles mudam com frequência, mas Tenha um bom domingo, Domingo em é Eu recomendei eles são populares. A transmissão musical de maior duração na Itália é La Corrida - Amadores em desordem, um programa semanal de três horas para amadores e aspirantes a músicos. [65] Tudo começou no rádio em 1968 e mudou para a TV em 1988. O público do estúdio carrega sinos de vaca e sirenes e é encorajado a mostrar desaprovação bem-humorada. A cidade com maior número de concertos de rock (de artistas nacionais e internacionais) é Milão, com um número próximo de outras capitais europeias da música, como Paris, Londres e Berlim.

Muitas instituições de ensino superior ensinam música na Itália. Cerca de 75 conservatórios musicais oferecem treinamento avançado para futuros músicos profissionais. Existem também muitas escolas particulares de música e oficinas de fabricação e conserto de instrumentos. O ensino particular também é bastante comum na Itália. Os alunos do ensino fundamental e médio podem esperar ter uma ou duas horas de ensino de música por semana, geralmente em canto coral e teoria musical básica, embora as oportunidades extracurriculares sejam raras. [66] Embora a maioria das universidades italianas tenham aulas em assuntos relacionados, como história da música, apresentações musicais não são uma característica comum da educação universitária.

A Itália tem um sistema especializado de alunos de escolas secundárias que frequentam, à sua escolha, uma escola secundária de humanidades, ciências, línguas estrangeiras ou arte e música (na "escola secundária musical", onde instrumentos, teoria musical, composição e história musical são ensinados como matéria principal). A Itália tem programas ambiciosos e recentes para aproximar as crianças de mais música. Também com a recente reforma educacional, uma específica Escola de música e dança (escola secundária de segundo nível, idade 14-15-18-19) é explicitamente indicado pelos decretos-lei. [67] No entanto, este tipo de escola não foi estabelecido e não está realmente operacional. A rede de televisão estatal iniciou um programa para usar tecnologia de satélite moderna para transmitir música coral em escolas públicas. [68]

A cultura na área de coleta, preservação e catalogação de todas as variedades musicais é vasta. Na Itália, como em qualquer outro lugar, essas tarefas são distribuídas entre diferentes agências e organizações. A maioria dos grandes conservatórios de música tem departamentos que supervisionam as pesquisas associadas às suas coleções. Essa pesquisa é coordenada nacional e internacionalmente pela Internet. Uma instituição importante na Itália é o IBIMUS, oInstituto de Bibliografia Musical, em Roma. Trabalha com outras agências em escala internacional por meio do RISM, o Répertoire International des Sources Musicales, um inventário e um índice de material de origem. Além disso, o Boate estadual of Rome, fundada em 1928, detém a maior coleção pública de música gravada na Itália, com cerca de 230.000 exemplos de música clássica, folk, jazz e rock, gravados em todas as mídias, desde antigos cilindros de cera até modernos sistemas eletrônicos.

O estudo acadêmico da música tradicional italiana começou por volta de 1850, com um grupo de primeiros etnógrafos filológicos que estudaram o impacto da música em uma identidade nacional pan-italiana. Uma identidade italiana unificada começou a se desenvolver somente após a integração política da península em 1860. O foco então estava no valor lírico e literário da música, ao invés da instrumentação, esse foco permaneceu até o início dos anos 1960. Duas revistas folclóricas ajudaram a incentivar o crescente campo de estudo, o Revista Italiana de Tradições Populares é Lares, fundada respectivamente em 1894 e 1912. Os primeiros estudos musicais importantes foram sobre o Laneddas sarde del 1913-1914 de Mario Giulio Fara, sobre a música siciliana, publicada em 1907 e 1921 por Alberto Favara e sobre a música de Emilia Romagna em 1941, de Francesco Balilla Pratella.

As primeiras gravações de música tradicional italiana chegaram na década de 1920, mas eram raras até a fundação do Centro Nacional de Estudos de Música Popular na Academia Nacional de Santa Cecília em Roma. O Centro patrocinou várias viagens para reunir canções em toda a península, particularmente no sul e no centro da Itália. Giorgio Nataletti foi uma figura determinante no Centro e também fez inúmeras gravações. O estudioso americano Alan Lomax e o italiano Diego Carpitella fizeram um levantamento exaustivo da península em 1954. No início dos anos 1960, um despertar radical encorajou novos estudos, especialmente das culturas musicais do norte, que muitos estudiosos anteriormente consideravam como pequena cultura popular . Os estudiosos mais eminentes desse período foram Roberto Leydi, Ottavio Tiby e Leo Levi. Durante a década de 1970, Leydi e Carpitella receberam as duas primeiras cátedras de etnomusicologia nas universidades, com Carpitella na Universidade de Roma e Leydi na Universidade de Bolonha. Na década de 1980, os estudiosos italianos começaram a se concentrar menos em fazer gravações e mais em estudar e sintetizar informações já reunidas. Outros estudaram música italiana nos Estados Unidos e Austrália e música popular de imigrantes recentes na Itália. [32]


Theatrosophy # 102. Epicarmo e a comédia pitagórica?

NO TEATRO, COLUNA EDITADA POR ENRICO PIERGIACOMI - Bolsista de pós-doutorado e especialista em história da filosofia antiga na Universidade de Trento - AVENTURAMOS PARA DESCOBRIR OS LIGAÇÕES ENTRE A FILOSOFIA ANTIGA E O TEATRO. CADA SAÍDA APRESENTA UM TEMA ESPECÍFICO, CRUZADO POR UM RAZÃO. # 102 apresenta uma investigação entre a comédia e a matemática, entre Epicarmo e Pitágoras.

Teia, L. (2015). Triplos de Pitágoras explicados por quadrados centrais. Australian Senior Mathematical Journal, 29 (1), 7–15.

Para o dramaturgo Epicarmo de Siracusa muitas grandes honras foram concedidas. A tradição o considera o lendário inventor da comédia e um autor que influenciou muito a formação cultural / intelectual de Platão [falamos sobre isso aqui]. Outras fontes também lhe reconhecem a honra de ter sido membro da escola pitagórica. Diógenes Laércio afirma que Pitágoras nomeou uma de suas obras em homenagem a Epitale, ou seja, o pai de Epicarmo. Jâmblico e um comentário anônimo sobre Teeteto de Platão foi ainda mais longe. Além de relatar que Epicarmo ensinou as verdades místicas e científicas de Pitágoras a seu filho Metrodorus, eles o apresentam como um dramaturgo que escondeu essas doutrinas dentro das estruturas divertidas e leves da comédia, retirando-as assim da censura e repressão do tirano Gerone de Siracusa, por sua vez hostil a Pitágoras e seus seguidores.

A confiabilidade histórica da fé pitagórica desse dramaturgo é difícil de avaliar. Encontra, de fato, indicações favoráveis ​​e contrárias. A confirmação da profissão de pitagorismo de Epicarmo vem de Plutarco, que nos informa que, no discurso To Antenore, o dramaturgo alegou que Pitágoras recebera cidadania da então nascente comunidade romana. O conhecimento de tal detalhe específico pode ser uma indicação do interesse do dramaturgo pela vida do filósofo. A notícia de que Epicarmo difundia as doutrinas pitagóricas com suas peças seria então corroborada pelo testemunho paralelo da existência de alguns dramaturgos pitagóricos, que usavam o teatro para comunicar as teorias pitagóricas ao público em geral. Finalmente, os dois livros da obra perdida de Aristóteles devem ser mencionados Sobre a poética segundo os pitagóricos, que só conhecemos através do catálogo do antigo Peripatético chamado Ptolomeu e cujo título pode aludir às controversas obras teatrais desses filósofos.

Todos os testemunhos mencionados são, porém, isolados e, portanto, sua veracidade é duvidosa. Acima de tudo, o que Plutarco diz é reduzido pelo pensamento de que o Epicarmo histórico pode não ter tido razão para se referir à concessão da cidadania romana a Pitágoras como um evento significativo. Roma ainda não era a grande potência política e militar que se tornaria, portanto, não teria sido prestigioso conceber Pitágoras como membro dessa comunidade.

Uma possível negação da adesão de Epicarmo ao pitagorismo deriva, entretanto, de uma comparação direta com os textos epicármicos. Nenhum fragmento das 52 comédias representadas total ou parcialmente durante a carreira artística de Epicarmo - e posteriormente reunidas em dez volumes por Apolodoro de Atenas - contém algo comparável a uma doutrina certamente pitagórica, como a teoria da composição da realidade em números ou metempsicose. O mesmo discurso se aplica aos citados dramaturgos: por que foram chamados de "pitagóricos" não está claro, nem encontra forte confirmação nos poucos fragmentos que conhecemos. Um trecho interessante do livro XIV dei Sofistas no banquete Ateneu atesta, então, como alguns escritores atribuíram seus escritos ao dramaturgo siciliano. Dentre eles, destaca-se o flautista Crisonogono, contemporâneo de Alcibíades que acompanhou seu triunfo contra os espartanos em 408 aC ao som de flauta. e autor de um República. Outra figura mencionada é um Axiopisto não identificado, que escreveu um Cânone e de Julgamentos. Assim, não podemos excluir que as doutrinas pitagóricas que a tradição antiga atribui ao Epicarmo pertençam realmente a esses escritores, que talvez quisessem transmitir suas idéias ao dramaturgo de prestígio para fazê-las parecer igualmente excepcionais.

Esta hipótese negativa parece, por sua vez, demonstrada pela observação de que são precisamente os poucos fragmentos do República de Crisógono para transmitir uma doutrina de possível origem pitagórica. O flautista escreve que a humanidade precisa de cálculo e número para viver: uma seria uma faculdade que os seres humanos aprendem ao nascer, a outra seria o princípio divino que ordena tudo de acordo com a harmonia e faz com que a humanidade aprenda as mais complexas artes ou ciências. A partir desses ensinamentos divinos, a humanidade chegaria a alcançar o útil e, portanto, a maximizar o bem-estar acessível nesta vida.

Certamente se poderia objetar que um simples flautista não poderia relatar uma doutrina tão sutil, mas densa. Por outro lado, é atestado que os mais antigos pitagóricos e cronologicamente próximos de Crisógono se interessavam pela arte de tocar flauta. Aqui podemos citar os nomes de Archita e Eufranore, que até escreveram tratados Nas salas de aula ou Nos aulets. O primeiro pitagórico, porém, recorreu à descrição de como os sons agudos ou graves da flauta são emitidos para explicar que há uma proporção entre movimento e qualidade sonora. O fato de Crisógono ser um flautista profissional seria então revertido em um argumento a favor de sua fé pitagórica.

Embora a reconstrução aqui conduzida exclua Epicarmus das fileiras do pitagorismo, também chega a um resultado positivo em qualquer caso. Se Crisogono realmente transmitiu com sua comédia intitulada República das doutrinas pitagóricas, é provável que se pense que alguns dramaturgos pitagóricos e uma poética teatral pitagórica devam necessariamente ter existido, embora isso não possa ser inteiramente certo. Sobre o próprio conteúdo do teatro dos pitagóricos, por outro lado, nada se pode dizer por falta de evidência textual. O pouco que se pode arriscar - sempre na esteira do precedente verificável de Crisogonus - é que ele fez do jogo da comédia o meio certo para transmitir o difícil conteúdo da metafísica do número e da harmonia.

Enrico Piergiacomi

[Pitágoras escreveu o tratado] Elotal (o pai de Epicarmo de Kos) (Diógenes Laércio, livro VIII, cap. 7 = Epicarmo, T7 trad. Marcello Gigante)

Epicarmo de Titiro ou Chimaro e de Secide, de Syracuse ou de Crasto, cidade dos Sicani. Ele com a Formo inventou a comédia, em Syracuse. Representou 52 peças, ou, segundo Licho, 35. Alguns dizem que ele era de Kos, daqueles que vieram para a Sicília com Cadmo, outros que ele era de Samos, outros que ele era de Megara da Sicília. Ele me representou na Sicília seis anos antes das guerras persas (Suda, Léxico, entrada E 2766 = Epicarmo, T1)

Epicarmo de Elotale, de Kos. Ele também ouviu Pitágoras. Ele tinha três meses quando foi levado para Megara di Sicilia, de lá veio para Siracusa, como ele mesmo diz em seus escritos. Estes versos inscritos na sua estátua são a ele dedicados: "De quanto as estrelas do sol ultrapassam o grande esplendor, / de quanto a força do mar ultrapassa os rios, / de tanto, digo, Epicarmo prima em sabedoria sobre todos, / que esta pátria Siracusa coroou ”. Ele escreveu memórias em que lidou com questões naturais, medicina, questões morais. Na maioria das memórias usou acrósticos, pelos quais revela que as memórias eram suas. Ele morreu aos noventa (Diógenes Laércio, Vidas dos filósofos, livro VIII cap. 78 = Epicarmo, T9)

Dizem que Epicarmo também era um de seus [= de Pitágoras] ouvintes externos, mas que não fazia parte de sua seita. Ele, tendo ido para Siracusa, absteve-se de filosofar abertamente, por medo do tirano Gerone, mas expôs em versos o pensamento daqueles homens, e assim, em brincadeira, espalhou, de forma lúdica, as opiniões de Pitágoras ( Jâmblico, Vida de Pitágoras, Código postal. 36, § 266 = Epicarmo, T12 trans. modificado)

Metrodoro, "irmão" de Tirso, transferiu para a medicina a maior parte dos ensinamentos de seu pai Epicarmo e Pitágoras. Explicando os discursos do pai ao irmão, ele diz que Epicarmo, e, antes dele, Pitágoras, considerava o dialeto dórico o melhor (Jâmblico, Vida de Pitágoras, Código postal. 34, § 241 = Epicarmo, T13)

Epicarmo, tendo frequentado os pitagóricos, representou bem várias cenas dramáticas, em particular a do homem em crescimento, da qual tratou com um argumento metódico e fiável. Mas, em qualquer caso, o fato de ocorrerem vazamentos e adições é óbvio, se em vez de ficar estável se ficar maior ou menor, mas se assim for, as substâncias se tornam diferentes em momentos diferentes devido ao fluxo contínuo. E ele retratou comicamente a cena, com o homem que é convidado a contribuir para o banquete, negando que seja a mesma pessoa porque teve alguns acréscimos e algumas perdas e quando o homem que fez o pedido bate nele e é acusado., por sua vez, responde que quem o atingiu era outro, o arguido era outro (Anónimo, Comentário sobre o "Teetetus" de Platão, com o. 71,12-40 = Epicarmo, fr. 136 ed. e trad. Bastianini-Sedley)

Os romanos concederam cidadania a Pitágoras, como ele relata no discurso To Antenore Epicarmus, um homem dos tempos antigos, que fez parte da seita dos Pitagóricos (Plutarco, A vida de Numa, Código postal. 8, § 17 = Epicarmo, T11 e fr. 296 trad. modificado)

  1. A) Catálogo das obras de Aristóteles com base no que um certo Ptolomeu se refere a Galo em seu livro. B) Entre os famosos livros citados por Ptolomeu, estes são os de Aristóteles: (...) Sobre a poética segundo os pitagóricos, dois livros (Ptolomeu Peripatético, Para Gallo sobre a vida e obra de Aristóteles, em Ibn Abi Usaybi'a, Vidas de médicos, em Gigon pp. 38-40 trad. minha)

Eu queria fazê-lo à maneira do Apolodoro ateniense e do Andrônico peripatético, o primeiro dos quais reuniu as obras do dramaturgo Epicarmo em dez volumes, o segundo dividiu as de Aristóteles e Teofrasto de acordo com os argumentos (Porfírio, Vida de Plotino, Código postal. 24 = Epicarmo, T34 e Apollodorus of Athens, T18 Williams)

O termo hemína os autores das composições atribuídas a Epicarmo, e na intitulada Quíron diz-se: “e beba duas vezes mais água morna, duas taças [hemínai]”. Essas composições, falsamente atribuídas a Epicarmo, foram escritas por ilustres autores: o auleto Crisógono, como diz Aristóxeno no oitavo livro de Leis Civis, escreveu aquele intitulado República em vez do Cânone e a Julgamentos Axiopisto di Locri ou Sicione os escreveu, de acordo com o que Philocorus afirma nos livros sobre Adivinhação. A mesma notícia também é dada por Apolodoro (Ateneu, Os sofistas no banquete, Livro XIV, cap. 59 = Epicarmo, Ti Aristosseno, fr. 45 Wehrli Filocoro, fr. 328 Jones Apolodoro de Atenas, fr. 226 Williams trad. Cânfora , ligeiramente modificado)

O comediante Epicarmo fala claramente da razão na República, desta forma: "A vida humana precisa de números e cálculos, vivemos de números e cálculos: são essas coisas que salvam os mortais." E então acrescenta explicitamente: "A razão governa apropriadamente os homens e os salva." E então: "O homem tem cálculo, e também há razão divina. A razão humana se obtém ao nascer que o divino acompanha a todos, ensinando-lhes as próprias artes, enfim, o que lhes é útil fazer. Porque o homem não encontrou as artes, é o deus que as ensina: a razão do homem vem daquela do deus (Clemente de Alexandria, Stromates, livro V, cap. 14, § 118 = Epicarmo, fr. 240 trad. modificado)

Após o exílio, [Alcibíades] fez dos atenienses mestres do Helesponto e, após capturar mais de cinco mil peloponesos, ele os enviou a Atenas. Na hora de voltar para casa após essas façanhas, ele coroou as trirremes áticas com gravetos, faixas e bandagens, fez com que os navios capturados fossem engatados e privados de seus bicos, que eram cerca de duzentos, e então zarpou também navios de transporte líderes, cheios de presa e armas lacônicas e do Peloponeso. A trirreme em que navegou até os portões do Pireu precedeu o comboio com velas roxas do mar ao entrar no porto e os remadores retiraram os remos, Crisógono, vestindo o traje de Pítia, cantou a "melodia da trirreme" que o trágico ator Calípides deu cadência vestindo roupas de palco. Portanto, um belo espírito disse: "Esparta não poderia ter suportado dois Lisandres, nem Atenas dois Alcibíades" (Ateneu de Naucrati, Os sofistas no banquete, livro XII, cap. 49 trad. Cânfora)

Alcibíades, já desejando ver sua pátria novamente, mas muito mais querendo ser visto por seus concidadãos depois de ter vencido os inimigos muitas vezes, zarpou com as trirremes áticas adornadas com vários escudos e muitos despojos, trazendo consigo muitos capturados. e navios ainda mais numerosos, ornamentos de proa dos navios que ganhou e afundou. Ao todo, não eram menos que duzentos. O que Durides de Samo, que afirma ser descendente de Alcibíades, acrescenta ao que eu disse, a saber, que Crisógono, o vencedor dos jogos de Pítia, rítmica a ação dos remadores com a flauta, e que Calípides, um ator trágico, deu ordens, ambos vestidos com toga reta, systis e toda a vestimenta típica dos agonis, e que a nau capitânia entrasse no porto com uma vela roxa, como se depois de uma embriaguez se fizesse uma procissão dionisíaca, nem Teopompo, nem Éforo, nem Xenofonte escreveu, nem era provável que, voltando depois do exílio e de tantas desventuras tão sérias, ele se desse tanto ar de antes dos atenienses. Na realidade voltou com medo, e ao pousar não saiu da trirreme antes, de pé na ponte, viu Eurytolemus, seu primo, que estava ali com vários familiares e amigos que tinham vindo recebê-lo, que o convidaram descer (Plutarco, Vida de Alcibiades, Código postal. 32, §§ 1-2 trad. Magnino)

Também conheço outros tipos de salas de aula, como as de tragédia, as de mímicos de Lysis e as de acompanhamento de lira, Ephorus fala disso na Invenções, o Pythagorean Eufranore em seu tratado As salas de aula e também Alessone, também no tratado As salas de aula (Ateneu de Naucrati, Os sofistas no banquete, livro IV, cap. 80)

Mesmo entre os pitagóricos havia muitos que se dedicavam à aulética, como Eufranore, Archita, Filolao e vários outros. Eufranore até nos deixou um tratado sobre salas de aula, e a mesma coisa fez Archita (Ateneu de Naucrati, Os sofistas no banquete, livro IV, cap. 84 = Arquita, frag. 47 B 6 DK)

Nem mesmo Pirrandro falou sobre isso no estúdio Nos aulets, nem Phyllis de Delos: ainda assim, ele também compôs uma ópera Nos aulets, bem como Eufranore (Ateneu de Naucrati, Os sofistas no banquete, livro XIV, cap. 35)

Parece-me que aqueles que se dedicaram à matemática adquiriram excelentes conhecimentos. E não é estranho que pensassem corretamente sobre as propriedades das coisas individuais: porque, conhecendo a natureza do todo, não podiam deixar de ver também como são as coisas particulares. Assim, eles nos deram noções claras sobre a velocidade das estrelas e sobre seu nascer e pôr-se e também sobre geometria e aritmética e sobre a ciência das esferas e, acima de tudo, sobre a música, porque essas ciências parecem irmãs, como as que lidam com as duas primeiras espécies da entidade, que são irmãs. Eles viram, portanto, em primeiro lugar, que não pode haver ruído se não houver coisas que colidam entre si. E essa colisão, segundo eles, acontece quando, em seu movimento, as coisas se encontram e se unem: por que, quando coisas que se movem na direção oposta se encontram e se impedem, ou quando, movendo-se na mesma direção, mas com velocidades diferentes, são atingidas por cada uma outras, então, colidindo, produzem ruído. Disseram então que não percebemos muitos sons, seja porque o impacto é fraco, seja porque ocorre a grande distância, ou, alguns, porque são muito grandes: assim como o que se quer verter neles não entra estreito vasos, quando é muito grande. E dos sons que podemos perceber, aqueles produzidos por impactos rápidos e "fortes" são agudos, aqueles produzidos por impactos lentos e fracos são graves. Assim, se alguém pega uma vara e a sacode lenta e fracamente, produz, com seus golpes, sons graves: se, por outro lado, sacode rápida e fortemente, produz sons agudos. Não só assim podemos perceber que assim é, mas também desta outra forma: quando queremos, falando e cantando, mandar uma voz forte e aguda, mandamos o ar com força ***. E isso acontece da maneira que vemos para as armas a jato: as que são arremessadas com força vão longe, as que são arremessadas fracamente caem perto: porque, quando vão com força, o ar cede mais; quando vão devagar, cede menos. O mesmo acontece também com as vozes: as produzidas por uma respiração forte são fortes e agudas, as produzidas por uma respiração fraca são fracas e graves. O fato de as coisas serem assim mostra claramente este outro fato também: se um homem fala alto, nós o ouvimos até mesmo à distância, se o mesmo homem fala baixo, nem sequer o ouvimos de perto. O mesmo ocorre com as flautas.O sopro que sai da boca, ao entrar nos orifícios que estão próximos a ela, devido à grande força produz um som mais agudo quando entra nos orifícios distantes, produz um som mais grave. É, portanto, evidente que o movimento rápido produz sons agudos e o lento, agudos. O mesmo acontece com os pandeiros que são sacudidos durante as cerimônias de iniciação: sacudidos suavemente, emitem um som baixo, agitados fortemente, emitem um som agudo. Daí o frasco: se soprar obstruindo a parte inferior, nos dará um som "grave" se obstruirmos no meio ou em qualquer outro ponto, enviará um som agudo: porque a mesma respiração no o primeiro caso sai fraco para o comprimento do espaço que atravessa, no segundo caso ele sai forte para o comprimento mais curto (Porfírio, Na gaita de Ptolomeu, p. 56 e ss. = Arquita, fr. 47 B 1 DK)

[A coleção completa de fontes e fragmentos de Epicarmo são coletados em Kassel Rudolf, Colin Austin (ed.), Poetae Comici Graeci. Vol. I: Comoedia Dorica, Mimi, Phlyaces, Berlin-New York, De Gruyter, 2001. Salvo indicação em contrário, todas as traduções italianas de textos antigos são de Gabriele Giannantoni (ed.), Os pré-socráticos: testemunhos e fragmentos, Roma-Bari, Laterza, 2004. As demais traduções e coleções de textos são de:

  • Domenico Magnino (editado por), Plutarco: vidas paralelas. Vol. 2, Torino, UTET, 1992
  • Fritz Wehrli (Hrsg.), Die Schule des Aristoteles. Banda 2: Aristoxenos, Basel, Schwabe, 1967
  • Guido Bastianini, David Sedley (editado por), Commentarium em Platonis "Theaetetum", em AA.VV., Corpus de papiros filosóficos. Parte III: Comentários, Florence, Olschki, 1995, pp. 227-562
  • Jones, Nicholas F., Filochoros de Atenas (328), dentro Brill's New Jacoby, Editor Geral: Ian Worthington (Macquarie University). Consultado online em 18 de janeiro de 2020
  • Luciano Canfora (editado por), Os hipnosofistas: os estudiosos no banquete, introdução de Christian Jacob, Roma, Salerno, 2001
  • Marcello Gigante (editado por), Diógenes Laércio: vidas dos filósofos, Rome-Bari, Laterza, 1962
  • Williams, Mary Frances, Apolodoro de Atenas (244), dentro Brill's New Jacoby, Editor Geral: Ian Worthington (Macquarie University). Consultado online em 18 de janeiro de 2020]

Os artigos de Teatro e Crítica, que são o resultado de pesquisas diárias, redações e discussões aprofundadas, eles são gratuitos há mais de 10 anos.
Se você gosta do que lê e acha útil, que tal nos apoiar com um pequena contribuição?


Índice

  • 1 história
  • 2 Observação direta do fenômeno: a sirene e o trem
  • 3 Explicação do fenômeno
    • 3.1 Movimento da fonte
    • 3.2 Movimento do observador
    • 3.3 Fórmula geral
  • 4 aplicativos
    • 4.1 Vida diária
    • 4.2 Astronomia
    • 4.3 O radar
    • 4.4 Remédio
    • 4.5 Música
  • 5 notas
  • 6 Bibliografia
  • 7 itens relacionados
  • 8 Outros projetos
  • 9 links externos

O efeito foi analisado pela primeira vez por Christian Andreas Doppler em 1845. Ele então passou a verificar sua análise em um famoso experimento: ele ficou ao lado dos trilhos da ferrovia e ouviu o som emitido por uma carroça cheia de músicos, alugada para a oportunidade, como ele se aproximou e depois se afastou. Ele confirmou que a altura do som era mais alta quando a fonte do som se aproximava e mais baixa quando ela se afastava, na quantidade prevista. Hippolyte Fizeau descobriu independentemente o mesmo efeito em ondas eletromagnéticas em 1848 (na França, o efeito é às vezes chamado de "efeito Doppler-Fizeau").

O efeito Doppler pode ser percebido ao se ouvir a diferença no som emitido pela sirene de um veículo de emergência ao se aproximar e ao se afastar, ou no apito de um trem se aproximando primeiro e depois se afastando. O efeito é tanto mais evidente quanto mais rápido é o veículo. O efeito é ainda mais perceptível quando o objeto ou fonte que emite o som está perto de um observador.

É importante notar que a frequência do som emitido pela fonte não muda no sistema de referência integral com a fonte. Para entender o fenômeno, consideremos a seguinte analogia: se estamos parados na praia, vemos as ondas chegando, suponha que a cada cinco segundos, então em uma certa frequência se agora entrarmos na água e navegarmos em direção ao mar aberto, nos encontraremos as ondas, então as encontramos com mais frequência (a frequência aumenta), enquanto se navegamos em direção à costa, na mesma direção das ondas, a frequência com que as encontramos diminui. Para dar outro exemplo: alguém joga uma bola a cada segundo em nossa direção. Vamos supor que as bolas viajem com velocidade constante. Se o lançador estiver parado e cada bola tiver a mesma velocidade média da primeira, receberemos uma bola a cada segundo. Mas, se em vez disso estiver se movendo em nossa direção, receberemos mais deles no mesmo período de tempo (ou seja, em uma frequência mais alta), porque eles estarão menos espaçados. Pelo contrário, se estiver se afastando, receberemos menos na unidade de tempo. O que muda é, portanto, a frequência no sistema de referência do detector como resultado, o tom do som percebido muda.

Se uma fonte recuando está emitindo ondas com uma frequência f, então um observador estacionário (com relação ao meio de transmissão) perceberá as ondas com uma frequência f ' dado por:

enquanto se estiver se aproximando:

Cadê v é a velocidade das ondas no meio e vs, r é a velocidade da fonte em relação ao meio (considerando apenas o componente na direção que une fonte e observador). Em termos relativos, também pode ser escrito:

Esta fórmula é equivalente à mais comumente usada em espectroscopia em medições astronômicas, para derivar a velocidade vpara distância de uma fonte de luz, com base no aumento em seu comprimento de onda, ou seja, a mudança de sua cor para o vermelho (veja a figura abaixo e "itens relacionados", mude para o vermelho, mude para o azul):

onde c é a velocidade da luz no vácuo, Δλ '= λ' - λ
é λ0 é o comprimento de onda em repouso de uma determinada linha de um determinado elemento químico, previamente medido em laboratório.

Movimento da fonte Editar

Vamos considerar uma onda esférica emitida por uma fonte pontual e seu comprimento de onda λ0 que é a distância entre duas frentes de onda sucessivas que estão na mesma fase, por exemplo, dois máximos.
A relação que liga a frequência f , o período T.0 = 1 / f e velocidade v propagação de onda é:

Se a fonte está se movendo com velocidade vs com relação ao observador (estacionário),
o referido θ o ângulo entre a velocidade e a direção em direção ao operador, e o referido vs, r= vstão o componente de velocidade na direção do observador,
ao longo do tempo T0, que passa entre uma frente de onda e a próxima, a fonte se aproxima do observador por uma distância igual a vs, rT.0. A distância entre as duas frentes, em direção ao observador, é encurtada por esta quantidade e, portanto, o comprimento de onda percebido torna-se mais curto e vale a pena:

Substituindo o ponto final T.0 a fórmula equivalente λ / v , Nós temos:

Movimento do observador Editar

Uma análise semelhante para um observador em movimento e uma fonte estacionária dá a frequência observada (a velocidade do observador é indicada como vos):

Nesse caso o observador que se move em direção à fonte recebe um maior número de frentes de onda no mesmo intervalo de tempo e percebe uma frequência maior: mais precisamente, em um tempo igual a um segundo, o observador que se move recebe, além do número f0=v / λ0 de trens de ondas emitidos pela fonte, também um número de trens de ondas igual a vos/ λ0=vos• f0/ v.

Fórmula geral Editar

Em geral, a frequência observada é dada por:

Cadê vr é a velocidade do receptor, vs é a velocidade da fonte, v é a velocidade do som no meio. Todas as velocidades são positivas se estiverem na mesma direção ao longo da qual a onda se propaga ou negativas se estiverem na direção oposta.

A primeira tentativa de estender a análise Doppler às ondas de luz foi feita pouco depois por Fizeau. Mas as ondas de luz não requerem um meio para se propagar, e o tratamento adequado do efeito Doppler para a luz requer o uso da relatividade especial (ver efeito Doppler relativístico). No caso das ondas mecânicas, como as ondas sonoras, o meio em que as ondas se propagam identifica um sistema de referência privilegiado. Há, portanto, uma diferença física entre o caso em que o observador está estacionário e a fonte em movimento, e vice-versa, aquele em que a fonte está estacionária e o observador em movimento. Para a luz, no entanto, todos os sistemas de referência são fisicamente equivalentes. Na expressão relativística, o deslocamento Doppler deve depender apenas da velocidade relativa da fonte e do observador. [1]

Editar vida diária

Uma sirene de ambulância começará a ser ouvida mais alta do que seu tom estacionário, mais baixa à medida que passa pelo observador e continuará mais baixa do que seu tom estacionário à medida que se afasta do observador. O astrônomo amador John Dobson descreveu o efeito desta forma:

"A razão pela qual o tom de uma sirene muda é que ela não bateu em você."

Em outras palavras, se a sirene estivesse se aproximando diretamente do observador, o tom permaneceria constante (embora mais alto do que o original) até atingir o observador, e iria imediatamente pular para um tom mais baixo assim que passasse (desde que o observador ainda estivesse capaz de ouvir). Como, normalmente, a sirene passa a uma certa distância do observador, sua velocidade radial muda continuamente, dependendo do ângulo entre a linha de visão do observador e a velocidade vetorial da sirene:

Astronomia Editar

O efeito Doppler, aplicado às ondas de luz, é fundamental na astronomia de radar. Interpretando-o como devido a um movimento real da fonte (alternativas, mas também existem interpretações menos difundidas), ele foi usado para medir a velocidade com que estrelas e galáxias se aproximam ou se afastam de nós, para descobrir que uma estrela aparentemente única é, na verdade, uma estrela binária com componentes muito próximos uns dos outros, e também para medir a velocidade de rotação de estrelas e galáxias.

O uso do efeito Doppler na astronomia se baseia no fato de que o espectro eletromagnético emitido por objetos celestes não é contínuo, mas apresenta linhas espectrais em frequências bem definidas, correlacionadas com as energias necessárias para excitar os elétrons de vários elementos químicos. O efeito Doppler é reconhecível quando as linhas espectrais não são encontradas nas frequências obtidas em laboratório, utilizando uma fonte estacionária. A diferença de frequência pode ser traduzida diretamente em velocidade usando fórmulas adequadas.

Uma vez que as cores nas duas extremidades do espectro visível são azuis (para comprimentos de onda mais curtos) e vermelho (para comprimentos de onda mais longos), o efeito Doppler é frequentemente chamado na astronomia de desvio para o vermelho se diminuir. A frequência da luz e desvio para o azul como você aumenta.

O efeito Doppler levou ao desenvolvimento de teorias sobre o nascimento e evolução do Universo, como o Big Bang, com base no desvio para o vermelho sistemático mostrado por quase todas as galáxias externas. Este efeito foi codificado na lei de Hubble.

O efeito Doppler também é prova da expansão contínua do universo. Na verdade, consideremos uma estrela: ao verificar seu comprimento de onda, perceberemos que ela se move cada vez mais em direção ao vermelho. Isso significa que seu comprimento de onda aumentou e, conseqüentemente, a estrela está cada vez mais longe de nós. Isso indica que o universo está em constante expansão e cada elemento tende a se afastar de tudo, alongando cada vez mais seu comprimento de onda.

O radar de edição

O efeito Doppler também é usado em algumas formas de radar para medir a velocidade de objetos detectados. Um feixe de radar é lançado contra um objeto em movimento, por exemplo um carro, no caso do radar fornecido às forças policiais de muitos países ao redor do mundo. Se o objeto está se afastando do dispositivo de radar, cada onda de retorno teve que viajar mais espaço do que a anterior para alcançar o objeto e voltar, então o espaço entre duas ondas sucessivas aumenta e a frequência da onda de rádio muda de uma forma mensurável . Usando as fórmulas do efeito Doppler é possível encontrar a velocidade do objeto. Este tipo de radar é amplamente utilizado para previsões do tempo porque permitem identificar com precisão a distância, velocidade e direção das frentes de nuvem.

Edição de Medicina

O efeito Doppler também é usado na medicina para detectar a velocidade do fluxo sanguíneo. Este princípio é de fato explorado pelos medidores de fluxo Eco-Doppler (ADV, ou Velocímetro Doppler Acústico), nos quais uma fonte de ondas sonoras, geralmente ultrassons, é adequadamente orientada. Essas ondas acústicas são então refletidas com uma nova frequência, dependendo da velocidade do vetor das partículas de sangue, detectadas e reprocessadas para se obter essa medida de velocidade.

Outra aplicação é o laser Doppler imager, utilizado em particular para estudos de angiogênese, disfunção endotelial, úlceras cutâneas, para avaliação de produtos farmacêuticos ou cosmetológicos de aplicação local, para estudo de queimaduras.

Edição de música

Existem instrumentos musicais [2] que exploram o efeito Doppler para produzir efeitos onomatopaicos específicos, como o tambor de fricção rotativo que na Romagna é denominado “Raganella” [3]. Para este tipo de instrumentos Fabio Lombardi é o responsável pelas observações sobre a acentuação do rendimento sonoro devido ao efeito Doppler [4]: ​​Quando o tambor pequeno gira, o ouvinte percebe dois picos de frequência modulados progressivamente e alternadamente para cima e para baixo, devido ao efeito mencionado acima, e isso leva a um som semelhante ao coaxar de uma rã, daí o nome do instrumento de brinquedo. [5]


Vídeo: Poema Al Pene